Mostrando entradas con la etiqueta luz. Mostrar todas las entradas

Jen Lewin, la luz del desierto en la vuelta de Burning Man post-era Covid-19


Entre los muchos eventos de los que nos hemos hecho eco a lo largo de todos estos años en NQ, los cuales abarcan una amplia diversidad de ámbitos creativos. El que quizás nos ha entusiasmado por encima de todos los demas, es el que de forma anual se convoca en mitad de uno de los desiertos más inhóspitos de los Estados Unidos


Como es la enorme planicie árida de Black Rock Desert en el estado de Nevada. Donde ocupando una pequeña parte en su interior y desde comienzos del XXI, se celebra el festival de vida alternativa y arte distopico más singular al que tal vez se pueda asistir a lo largo del año en Occidente. Aunque el mayor atractivo reside en sus intervenciones realizadas a gran escala.


Cuyos temas y formas esteticas suelen hacer referencia, ya sean a temas de actualidad (en menor medida), u obedecer a uno de los principios y pilares fundamentales sobre los que se cimentó el festival. Y germino hasta convertirse en una de las citas ineludibles de la temporada y que no es otra que la de explorar nuevas formas de convivencia.


Donde todo aquello que tenga que ver con la diversidad tiene un espacio destacado. Para la última edición celebrada en Agosto del año pasado, y tras, por lo tanto disipar toda la rumorologia que había rodeado a su organizacion. Sugiriendo que tras dos años de parón por causa de la pandemia protagonizada por el Covid-19, quizas se había llegado al final de un ciclo, por lo que se temío por su continuidad.


Dudas acerca de una posible cancelación definitiva que finalmente se disiparon, cuando finalmente se pudieron ver en el horizonte como decenas de miles de asistentes. Se aproximaban raudos para volver a montar sus campamentos efimeros, dispuespuestos a participar en alguna de las muchas actividades que se les ofrece a lo largo de un extenso programa que abarca multitud de propuestas.


Aúnque como ya hemos citado, el casi absoluto protagonista suelen ser las megas instalaciones, que construidas en su práctica totalidad in situ y en paralelo al período de tiempo que dura el festival. Se suelen caracterizar por su gran tamaño, propiedad que suelen compartir muchas de ellas, llegando a ocupar cientos de metros cuadrados de superficie. Además de su capacidad para interactuar con su entorno y sobre todo con sus asistentes a través del movimiento que en mayor o menor medida presentan.

Primera versión The Pool, en pleno funcionamiento en su versión nocturna


Y por último y por encima de todas el tratamiento y la incorporación de un componente luminico sobresaliente, que aparte de dotar de iluminación al recinto, que en otro caso sólo presentaría actividad casi en exclusiva durante las horas de luz diurna. Representa un concepto central en el origen de la elección por parte de los fundadores del festival de este lugar casi místico en esencia.       


En el que la presencia de la luz, independientemente de su fuente de producción, se percibe como un lenguaje en sí mismo transcendental. A través del que se puede articular casi cualquier tipo de mensaje más o menos comprensible, con el que poder establecer una comunicación activa y lo más fluida con los asistentes que son envueltos por los haces de particulas, creando una comunión con el paisaje casi magica.


Se trata al fin y al cabo de toda una arquitectura visual donde la lírica y la poesía se alian para transmitir una idea, o simplemente para contribuir a crear un espacio donde sus participantes puedan llegar a empatizar, creando lazos. Donde los fotones de luz sustituyen en alguna medida, a otros lenguajes más comunes como el verbal o el corporal, y que no por ser más accesibles resultan más asertivos.

Cada proyecto supone una inversión prolongada de tiempo en investigación que se requiere para realizar sus trabajos interactivos: en The Last Ocean se emplearon casi dos años en tratar de descubrir cómo se podían coordinar los diferentes elementos que le dan vida, creada a partir de basura plástica, habia diferentes tipos de plásticos que deben fundirse en diferentes niveles. Hubo mucha investigación y experimentación para obtener algo tan simple como una sola tapa.


En este contexto uno de los estudios cuya presencia se espera como uno de los platos fuertes de la reunión, haciendo mas llevaderas las largas e intensas jornadas que dura el festival. Y que casi su inclusión resulta ineludible, es el que encabeza la artista Jen Lewin. Que ha logrado que a lo largo de casi tres décadas de rodearse de un equipo interdisciplinar, con el que ha creado toda una serie de proyectos (de mayor o menor embergadura).

Crear a partir de conceptos como la luz, la movilidad y la interacción con el espectador, siendo las tres piedras angulares sobre los que basculan. Constituyendo está trinidad de propiedades con los que la artista afincada en Brooklin, ha creado su particular Universo. Donde la psicodelia de colores se puede complementar perfectamente con una narrartiva de luces más tenues, con las que Jen trata de fijar una atención en el espectador presidida por la contemplacion.


O instalaciones como en la última titulada The Last Ocean, donde el tema central sobre el que versa es el medio ambiente y más específicamente el cambio climatico. La instalación pretende describir un océano artificial donde apenas pueden sobrevivir especies como el oso polar (uno de los animales más afectados por las consecuencias de las constantes elevaciones de la temperatura). 

Que situado en el centro se hierge dominante sobre un mar compuesto por "olas" pentagonales ensambladas a partir de las fórmulas aritméticas desarrolladas por el matemático Majorice Rice. Quien pese a su escasa formación en matemáticas tras leer un artículo en la publicación Scienfic Americandescubrio cuatro tipos de teselados pentagonales sobre el plano.

Panorámica general de la instalación titulada The Last Ocean, hecha para The Burning Man

Debate y labor de conciencia medio-ambiental con los que Jen ha adquirido un compromiso con su entorno hasta convertirse poco más o menos que una activista social. Actitud que se ha ido madurando desde que realizara su primer encargo para ser incluida en el marcó del festival. En el que debuta con una pieza más modesta, si se quiere. Titulada Arc Harp, que revisataria con una propuesta actualizada dos años después.


En la primera de 2006 forma parte de la serie Laser Harp, se trata de como ya he citado de Arc Harp una escultura donde la luz de se proyecta a través de sesenta cuerdas diseñadas con el objetivo de que cumpla una función principalmente ludica. Cada una de las cuerdas ligeras en el arpa de arco puede detectar el movimiento, la velocidad y el tempo del usuario. Las cuerdas individuales mezclarán su propia biblioteca de sonidos para crear una profundidad y un tono que complemente la actividad pública y el juego musical aleatorio u organizado.


Su enfoque en su práctica artística es crear obras de arte altamente atractivas y participativas presentando un alto componente de dinámismo en un sentido social y comunicativo. No le interesa hacer un trabajo en el que todos se alineen y se turnen para presionar un botón. Le interesan las obras en las que cien personas pueden jugar dentro de la obra al mismo tiempo, y cada una tiene una experiencia realmente subjetiva.


La segunda participación también consta de una segunda replica, si en la primera de versión de The Pool de 2008, más modesta. Nos sumerge en un mar de luces azuladas, que según su autora nos describe una serie de fenómenos específicos o escenas extraídas de la naturaleza que intenta capturar, reconstruir y revitalizar a través de la tecnología, encontrando inspiración en formas naturales. En la segunda, en gran parte en el lado sintético, fue creada a partir de hileras o plataformas compuestas por luces LED. Pero la inspiración central y de raíz siempre viene de algún instante donde la naturaleza ha estado presente.


                                

En esta última Lewin continúa ofreciéndonos la oportunidad de presenciar fascinantes fenómenos de iluminación natural. En The Super Pool aumenta el diámetro de The Pool y duplica el número de plataformas en la instalacion, la interacción por lo tanto se duplica aumentando de esta manera el número de escenarios. Invitando a cada individuo a moverse alrededor, entre y en las plataformas, observando cómo sus acciones crean estelas de colores vibrantes a través de la escultura. 


Luzinterruptus realiza Literatura vs Tráfico, un río de libros y vida en Utrecht


Tras casi dos años desde que forma abrupta se cesó prácticamente toda la actividad, como consecuencia de la alerta sanitaria decretada debido a la aparición y posterior expansión del virus Sars-Cov2 Covid 19. Una mayoría de creativos independientemente de su ámbito de actividad seguían instalados en la incertidumbre.

Un panorama cuando menos desalentador para el que nadie parecía tener una solucion, por lo que cuando se comenzó a vislumbrar la luz al final del tunel. Algo que se empezó a percibir sobre todo en los magazines digitales se comenzaron a publicar, aunque de forma timida.

Algunos artículos cuyos contenidos aunque hacían referencia a proyectos muy prematuros y que transmitían la impresion, de que estábamos instalados en una primera fase de arranque. Momentos dubitativos y complejos que sin embargo estudios como el de nuestros admirados colectivo Luzinterruptus parecía que había solventado con  cierta elegancia.

Aunque no se trataba de las grandes intervenciones con las que nos maravillaban durante la etapa prepandemia, si era gratificante como esta firma veterana (y ampliamente cubierta en NQ). Había conseguido superar el corte impuesto por el periodo de pandemia. En cuyo transcurso (aunque todavía no se han publicado cifras oficiales), muchas propuestas se habían visto abocadas a abandonar definitivamente su carrera artistica.

Algo que afortunadamente no ha sucedido con estos pioneros del arte urbano y el Land Art lumínico (por llamarlo de esta manera un tanto suigeneris), con más de una década de intenso trabajo. Cuya propuesta singular ha supuesto sino una revolución en toda regla, si la introducción de un elemento como el de la iluminacion.

Que ha supuesto que a lo largo de este intervalo de tiempo y paralelamente, hayan han aparecido una batería de creadores y estudios de una diversidad de ámbitos artisticos. Que han adoptado su óptica y praxis por lo que sin ninguna duda si han supoesto una notable influencia.   
       
Una de las miles de personas que se acercaron a curiosear en los más 11000 libros recogidos

Entre los escasos encargos que todavía reciben hasta el momento, si cabe destacar uno de los últimos publicados. Una intervención realizada a gran escala (como antaño), y que tuvo como escenario una de las principales vías de la ciudad belga de Utrecht.

Titulada Literatura vs Tráfico. Se trataba de un río de vída y luz que si tu la contemplas desde lejos lo primero que se te venia a la cabeza es una larga lengua, que bien podría ser la que emana desde lo profundo de un volcan. Elaborada con algunos de los elementos ya característicos a lo largo de estos años en la carrera de Luzinterruptus.

En el caso de la alfombra que cubría una longitud de cientos de metros, los ingredientes principales era miles de libros, los cuales fueron recogidos por voluntarios a lo largo de los meses precedentes. A lo que se añadió cientos de diodos LED, un elemento que ya forma de su repertorio tradicional.

Aunque su presencia fue efimera durando tan sólo un día Literatura vs Tráfico, logró transformar de forma radical los usos y costumbre. De un espacio habitualmente dominado por el vehículo privado.

Pero que no por ser conocido no deja de ser efectista a pesar de que no deja de ser un recurso a través de Luzinterruptus, simboliza su compromiso con la comunicación y el diálogo en el espacio publico. Además de la cultura como vertebrador social. Realizada en el marcó del Festival Internacional de Literatura de Utecht


La última versión de su intervención Literatura vs Tráfico no presentaba ninguna modificación sustancial respecto a otras ocasiones, ni en lo estético, ni mucho menos en lo conceptual. Pues se sigue abordando el dilema y aspiración de desear que los libros sustituyan a los coches como dominador en el espacio publico.


De esta forma y aunque sólo sea por unas pocas jornadas un espacio urbano reservado convencionalmente a la presencia exclusiva del vehículo privado. Se transforma en un escenario radicalmente opuesto, pasando de la denominación del ruido y la contaminación al sosiego y la convivencia. 

Durante la jornada diurna los miles de volúmenes del caudal libros apenas tuvieron visitantes


Como en anteriores citas la iluminación en el interior de libros actúa como gancho, para que aquellos que se acerquen tras hojearlos puedan llevárselos a su domicilio. Lo que cumple con el siguiente objetivo de la actuación, que consiste en que se complete un viaje de ida y vuelta. 

Por lo que muchos volúmenes hasta ahora tirados y huérfanos sobre el asfalto tengan una segunda oportunidad, a la espera de que los vehículos acaben parásitando de nuevo el paisaje urbano. En total se emplearon diez días en alfombrar la totalidad de la calle.

Operaciones que se gestionaron desde un cuartel general priveligiado y sin duda coherente, como es la flamante nueva biblioteca de Bieb Neude inaugurada hace apenas 3 años, el 13 de marzo de 2020. Las instalaciones que ocupa la biblioteca fueron con anterioridad la principal oficina de correos de la ciudad.

Interior abovedado de la sala principal de la biblioteca de Utrecht llamada Bieb Neude por su pasada actividad como estafeta de correos

El proyecto de diseño de la renovación fue encargada al arquitecto Van Rijnboutt, salvo el interior de la biblioteca que fue diseñado por Zecc Architecten. La renovación de la biblioteca actuó en total sobre una superficie de 8000 metros cuadrados de superficie, lo que proporciona una ligera idea de su monumontalidad.

Como en otras ocasiones precedentes el objetivo de la intervención Literatura vs Tráfico, tenía por objetivo reformular la acrividad dentro del espacio publico, transformando su entorno estetico.

Grandiosidad que cobra todo su esplendor cuando accedes a su sala principal de lectura principal, llamada El Monumento Nacional. Se trata de una descomunal bóveda que alberga cientos de estanterias, donde hay colocados decenas de miles de libros.


La remodelación del edificio que contaba con una antigüedad de casi 100 años de antigüedad, ha supuesto recuperar no solamente un edificio como equipamiento cultural de uso público. Sino que se ha conseguido conectar diferentes areas de la ciudad y ampliar el entorno.    

Contenido gráfico: Montaña Pulido 


Geometries of Light, el Pabellón Alemán a través del espacio y la luz


Entre los muchos aniversarios que se pudieron celebrar a lo largo de 2019, aludiendo a los mas variopintos ámbitos, hubo uno a finales de ese año que rememoraba el 90 aniversario de la construcción del Pabellon Aleman, construcción efímera. 

Y emblemática del arquitecto alemán aunque nacionalizado americano padre del Modernismo Ludwig Mies Van der Rohe, Mies para los amigos, se trata de una obra capital dentro del movimiento modernista junto a con el edificio de la Bauhaus de Gropius, la Villa Savoye de Le Corbusier y la Casa de la cascada de Wright.

El Pabellón de Alemania, diseñado por Ludwig Mies van der Rohe y Lilly Reich, fue el edificio de representación de Alemania en la Exposición internacional de Barcelona celebrada en el año 1929.


Concebido como espacio representativo para albergar la recepción oficial presidida por el rey Alfonso XIII a las autoridades alemanas, el edificio pretendía simbolizar el carácter progresista y democrático de la nueva República de Weimar y su recuperación tras la Primera Guerra Mundial.


LA GEOMETRIA Y SUS POSIBILIDADES ESPACIALES

Demolido en 1930 hubo que que esperar a 1986 para que se reconstruyera en su emplazamiento original en la montaña de Montjuic, lugar desde el que domina visualmente buena parte de la ciudad de Barcelona.
  
Y cuya efemérides ha servido de inspiración para que el artista Luftwerk, acompañado del arquitecto Iker Gil y el tecnico de sonido Oriol Tarragó creen “Geometries of Light",  una instalación con dos versiones que espaciadas por miles de kilómetros y cuyo proposito era rendir homanaje a este edificio producto de la austeridad propia de la epoca.
  
La primera versión de Geometries of Light se mostró en Febrero de 2019 para la segunda hubo que esperar ocho meses para ver el tratamiento de las geometrías y la luz de la intervención que se ha exhibido hasta comienzos de este año en el Farnsworth House outside of Chicago.


LA LUZ Y LA FORMA ARQUITECTÓNICA QUE PERMANECEN EN EL TIEMPO

Basadas en ambos casos en el concepto de ingravidez, si en la reconstrucción de 1986 se caracteriza por la presencia de agua con la que se crea una atmósfera etérea casi zen.

En la intervención realizada en Febrero utilizan un láser de luz que traza el contorno del edificio el cual proyecta un halo de luz rojo onírico, con el que sus autores prentendian explorar los limites del espacio.

Siempre manteniendo una tensión entre la perspectiva poética de un edificio limpio en sus formas y la experiencia sonora de la música creada ex profeso por Oriol que supone el contrapunto perfecto a los diodos láser de Luftwer basados en la teoría del color de Johannes Itten pintor adscrito a la corriente de la Bauhaus.


Relacionado:  Alberonero, el color y la luz como experiencia sensorial
 
Geometries of Light es una instalación multisensorial cuyo propósito es establecer un paralelismo entre el pasado y el presente a traves de la historia teniendo como nexo la arquitectura.



Alberonero, el color y la luz como experiencia sensorial


Sino te deslumbran los colores brillantes que rellenan las figuras geométricas en las intervenciones murales del artista urbano italiano Alberonero, una de dos es que proteges tus ojos con unas gafas de sol debidamente homologadas.

O es que desafortunadamente te has acercado algunas de sus muchas obras en el momento que estaba nublado, por lo que no tendrás la oportunidad de experimentar de como percibimos los diferentes colores y la variedad de respuestas que podemos obtener. 

En función de la combinación que emplea en sus composiciones para de forma deliberada crear sus paletas de colores, con cuyo resultado final estudia las casi infinitas combinaciones como si fueran un lenguaje cuyas letras.




EXPLORANDO EL LENGUAJE DEL COLOR Y SUS EFECTOS
 
Son producto de sintetizar pigmentos casi siempre en tono pastel cuya semántica precisa de grandes dosis de luz, a partir de las que se producen diferentes estados de animo en función de dos valores; uno la cantidad de luz y dos la saturación de color. 

Ademas de la disposición que se realiza sobre el espacio, razones por las que el artista formado como diseñador por la Milan Polytechnic Academic prefiere trabajar en espacios abiertos, que selecciona tras estudiar las características estructurales del lugar.

Y su relación y posición teniendo en cuenta la orientación de la radiacción solar y su incidencia en relación a su situación geográfica, medidas por la latitud y la altitud precisas del lugar donde  se encuentra en ese preciso instante.



EL COLOR TAMIZADO POR LA LUZ DEL SOL

Receta a la que añade ingredientes locales de aquellos destinos en los que trabaja desde que en 2012 comenzara a pintar sus crisoles a diferentes escalas, primero de forma esporádica para mas tarde crear un estilo muy definido.



Que se pueden identificar en obras como Distance, 158 Tones que tuvo como escenario un secuencia de aticos en la localidad siciliana de Castrfilippo, que pintados de colores tono tierra se funden con el paisaje al atardecer creando un efecto pixelado.



En la obra Mańana, 100 toni de ejecución mas informal su autor elige un muro perteneciente a la Universidad Politecnica de Valencia, para trazar el perfil de un conjunto de cuadrados concéntricos pintados en tonos ácidos y psicodelicos, con los que representaba los ocasos de esta ciudad española.



De vuelta en Italia Alberonero nos sorprende con Basket Court cambiando la vertical de una pared por la horizontal del piso de un patio interior perteneciente a una fabrica abandonada en Roma. Sobre la que traza las medidas de una cancha de baloncesto, que rellena de colores con los que pretende evitar la absorción de los rayos solares, reduciendo la sensación térmica.
  
Relacionado: Gamcheon Culture Village, el Street Art como aliciente turístico en Korea

Los murales de formados por tonalidades luminosas del artista urbano Alberonero, trabajan sobre la percepción que tenemos como individuos de los colores a través de la luz, y su relación con el paisaje.



Rune Guneriussen, paisajes domesticos iluminados



Vistas desde lejos las intervenciones lumínicas sobre el paisaje del artista noruego Rune Guneriussen, transmiten cierto aire bohemio a la vez que un afán por ordenar el territorio sobre el que actúa.

Es esa sensacion de nostalgia, de preocupación por la perdida de una biodiversidad producida por la presencia del ser humano, que ya dificilmente restablecera su equilibrio. Lo que convierte todos y cada uno de los proyectos.

Realizados por este joven creativo en un relato epico donde la luz se proyecta contenida delimitando con un tenue haz que se traza sobre el terreno alumbrando un futuro cuyo mensaje principal esta plagado de incertidumbres.


LA ILUMINACIÓN COMO ACCESORIO DEL PAISAJE

 
Aunque también trabaja con otro tipo de objetos igual de cotidianos y domésticos como las hileras de teléfonos que se desplegaban cubriendo la totalidad de una pequeña depresión nevada, formando parte de la instalación Connections # 05 de 2008.

O pilas casi infinitas formadas por cientos de libros dispuestos tanto en vertical como horizontal que Rune utiliza como símbolo de conocimiento y protección, acto a través de los que simboliza de forma commovedora y un poco inocente.

La comunión de la naturaleza a través de un armazón donde predomina una lírica condescendiente e hipertextualizada. Es por sus montajes escénicos lumínicos producto de combinar el tratatamiento digital de las fotos que toma y de una estética Land Art.


DE UN ÁRBOL, UN LIBRO Y VICEVERSA
 
Donde el elemento protagonista son todo tipo de lamparas, flexos, diodos, farolillos, lo que propicia que a lo largo de la primera década de este siglo nada mas finalizar su formación en Londres, donde finalmente se instala.

Que sus escenificaciones para las que destina varias semanas de trabajo, dependiendo de la magnitud y las características de la misma. Se convirtieran en un meme mediatico cultural por el que logra captar la atención de un publico mayoritario.

Quizas atraídos por la capacidad de Rune para representar paisajes donde lo evocador y lo onírico definen un entorno hipnotico, donde el matiz fantástico se incorpora estimulando nuestra imaginación.

Buenas muestras de ello son solo por mencionar dos de las que a mi juicio representan mas fielmente lo que es la esencia de su extensa obra. La primera titulada The heirs motivational speech de 2013, donde un árbol es convertido en un faro en mitad de un paraje rural en mitad de la noche.

Y el decorado realizado para la puesta en escena de la Opera of Idomeneo de Mozart representada en Klagenfurt Stadttheater en 2013 en Austria. Ambientacion dramatizada y que suponía un compendio de sus obras hechas en exterior. Suponiendo un punto de inflexión en su corta pero intensa carrera hasta ese momento, lo que le permitio explorar en entornos interiores, experiencia que posteriormente ha trasladado a sus trabajos en espacios abiertos
 
RELACIONADO: Tree of 40 Fruit, el arbol multi-cultivo que podria acabar con el hambre en el mundo

El artista Rune Guneriussen combina la fotografía y la iluminación para crear paisajes oniricos que nos sumerge en un mundo casi mágico, donde la naturaleza es el elemento principal.