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Andy Goldsworthy, los mecanismos de transformación del paisaje

 


Aunque apenas les separa una distancia de unos cuantos kilómetros, presentando la misma composición paisajistica, con los elementos y matices que se pueden observar en las highlands escocesas. 


Un entorno natural rudo y húmedo en el que predomina la abundante vegetacion, el cual se alterna con grandes extensiones de terreno llano producto del azote del viento por lo que apenas se pueden ver unos cuantos matorrales aquí y alla. Un fuerte contraste que también se percibe en las dos pedanias que han marcado del  pionero del Land Art el artista Andy Goldsworthy


Y es que tanto Galloway como Langholm en el condado de Dumfriest, están moldeadas por los mismos mecanismos y ciclos naturales. Pudiendose contemplar desde prismas y ópticas muy similares, no habiendose modificado su patrón tanto paisajistico,  como cuando te adentras y visitas sus edificios, caminando sobre el empedrado de sus calles y te das cuenta de que los materiales empleados en la construcción de sus escasos edificios.



Algunos de ellos con más de trescientos años de antigüedad, son prácticamente los mismos. Como los conocidos como molinos de lana, cuya aparición desempeñaron un papel importante en el desarrollo de la region, convirtiendose en una característica importante de la ciudad. Y cuyo contorno ha servido de inspiración para que creará una de las obras más definitoria de su trayectoria, pieza titulada Stepends Farm, hecha en el año 2000. Perteneciente a su etapa más madura se trata de una intervención en forma de piña. Pieza con la que este estudiante de ingenieria agronoma que al final se decidio por aventurarse por los caminos inexplorados y sinuosos de un movimiento como el Land Art, que provocó que en las postrimerias de la década de los años 70ˋs  del siglo pasado inagurase su propio museo al aire libre.


Un proyecto que forma parte de su legado en el que ha construido una narrativa creativa cuya identidad se ha ido sedimentando hasta convertirse en uno de los referentes e icono de una de las más "vanguardistas" y manifestaciones creativas. Sin cuya presencia e influencia no hubiera sido lo mismo, modificando sustancialmente el discurso y los antecedentes sobre los que ha establecido un trazado evolutivo muy definido.


Tanto desde una perspectiva estética como conceptual, siendo una pieza clave en esta breve pero intensa historia la contribución y aportación de este singular artista nacido en Cheshire, Inglaterra, Goldsworthy creció en West Yorkshire y a partir de los 13 años, comenzó a trabajar en el ambito agrícola cuando no estaba en la escuela. Su familia le introdujo en la agricultura cuando era muy joven, lo que comenzó a estimular su gran interés por la naturaleza, así como el cambio de las estaciones. 


Nidos, mandalas y espirales también han sido motivos que ha utilizado de forma recurrente en sus obras

Esta experiencia laboral en la naturaleza le permitió desarrollar una aguda conciencia y comprensión de su entorno, así como una apreciación de las características fugaces de los diferentes paisajes. Desde entonces ha contemplado la naturaleza como un territorio cuyo rendimiento desde una praxis artística no solamente se puede percibir como un ejercicio.


Sino que sirve para crear conciencia y compromiso con un medio que cada vez nos resulta más ajeno y distante. Habiendo sido considerado como un lugar lleno de peligros y amenazante, por lo que hay que tratar de domesticarlo a toda costa o cuando menos eliminar aquellas especies que pueden suponer un "peligro" para nuestra supervivencia y prosperidad.


Una etapa de su vida en la que la rutina en los campos de cultivo alternaba con sus primeras incursiones como creador haciendo pequeñas esculturas o nidos a base de apilar ramas. Obras de las que apenas constancia salvo algún documento grafico. Pero que a  Goldsworthy le suposo una fecunda adquisición de conocimientos y habilidades que posteriormente reflejo a lo largo de su trayectoria.



El planteamiento de Goldsworthy desde una perspectiva artistica siempre ha sido experimentar, sentir y comprender la energía que fluye de la naturaleza antes de crear cualquier cosa. Una vez hecho esto, pasa a usar esta energía para hacer una obra de arte de belleza efímera. 


Pero mucho antes de que se embarcará en la realización de encargos tanto a nivel institucional como privado Goldsworthy se matriculo en 1974 en Bellas Artes en el Bradford College of Art, actividad académica que no se prolongó más allá de un año. Tras finalizar esta breve pero intensa estapa asistió a la Universidad de Central Lancashire.


En esta ocasión el periodo se alargó desde 1975 hasta 1978, gradúandose finalmente y obteniendo la licenciatura. Paralelamente a su asistencia Goldsworthy definía sus inquietudes artísticas familiarizandose con algunos de sus coetáneos que mostraban pautas de trabajo similares a la suya. Nombres como los de los de Hamish Fulton y Richard Long que formaban parte de una comunidad de artista que seguian una filosofía ambiental en sus pautas artisticas


Toda una serie de eventos y antecedentes que propiciaron que Goldsworthy descubriera su deseo y pasion de interactuar con la naturaleza para crear en vez de verse recluido y confinado en un estudio. Tímidos acercamientos al Land Art que se traducen en una serie de piezas de menor calibre. De las cuales ya no quedan nada y que tuvieron como escenario Morecambe Bay, pues al ser creadas en la orilla cerca de la incesante marea desaparecían a los pocos días de ser elaboradas.


Roof es uno de los conjuntos escultóricos de Andy realizados para interior y que se puede visitar en West Yorkshire Sculpture Park en Wakefield, UK 


Pero es en su residencia definitiva en Galloway a la que se traslado en 1986 en la que el artista comienza a crear su propio universo creativo, es allí en el sur de Escocia en una pedania ubicada entre cuatro colinas en el valle del río Esk. En la que Goldsworthy conoce la historia del Clan Armstrong y su descendiente más famoso que es Neil Armstrong, el primer hombre en caminar sobre la Luna. 


Una efemeride que no deja de ser una anécdota en la biografía y detonantes artísticos de Andy, pero que de alguna forma le influyen pasando a formar parte de su paticular universo de mitos que de vez en cuando afloran en sus intervenciones. Las que cada vez son más prolíficas no solamente en su entorno mas proximo, sino en lugares mucho más distantes y a escala global.


 

Donde encuentra su propia incubadora creativa en la que poder crear piezas cada vez más ricas en detalles a las que incorpora su otra gran pasión, la de la fotografia. Que utiliza Incorporandola como testimonio documental, convirtiéndose en la mayoría de los casos, como una única prueba tangible de que sus esculturas existieron, aunque solo sea por un momento fugaz. 


La obra del artista Andy Goldsworthy describe la rutina natural y sus mecanismos orgánicos a través de crear identidades con las que poder empatizar de forma rítmica como para quedar completamente absorbida en su propuesta visual. 


En este sentido se trata de una medida coherente en el contexto de que las actuaciones Goldsworthy se definen en la mayoría de los casos por su brevedad. Ya que no son proyectos que no nacen de un deseo de crear arte, sino que representan la vida y la necesidad de darse cuenta de que las cosas por su naturaleza presentan una vigencia en el tiempo más o menos perdurable.



Obras en las que recurre a elementos naturales como la nieve o el hielo, las hojas de una diversidad de arboles, ramitas, hierba, e incluso barro o arcilla con el que moldea alguna de sus esculturas. Materiales ligeros que emplea mezclándolos con adornos, colmenas y cúpulas hechas de piedras, o delicados patrones de hojas que se han colocado sobre el agua. 


Al crear sus esculturas en medio de la naturaleza, Goldsworthy permite que sus obras crezcan y se descompongan según el curso de la naturaleza, con las que pretende reflejar no solo la geografía, sino su biografía tanto individual como colectiva.


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En 1985. Fue allí que comenzó a producir obras que se inspiraron en referentes del movimiento como Robert Smithson. Al que ya alusión hice aunque de forma muy suscinta en esta entrada (que podéis leer AQUI). Y que pretendía hacer un bosquejo sobre la vida y obra del artista y también coetáneo Charlie Baker. Teniendo como a una de sus máximas influencia a Smithson.


Una de las fotografías que forma parte de la serie titulada Hands, en la que el autor muestra un ramo de espigas de trigo


Entre la fecunda obra de Andy Goldsworthy que cubre un arco temporal de casi cuarenta años de trabajo, cuyo breve recorrido se podría comenzar por hacer alusión a una de las últimas obras. Titulada Hands, se trata de una serie de fotografías en las que el autor compara el paisaje con uno de los elementos que elementos que forma de ese paisaje concreto y que sostiene en una de sus manos. Siendo un perfecto de lo que simbolicamente representa en términos de discurso su obra. Respondiendo a la pregunta de cuál es la causa por la que un territorio silvestre se ha transformado en un cultivo concreto debido a la intervención del ser humano.


Hecha de piedras apiladas Floodstones Cairn es una instalaccion que es un homenaje a los muchos tomulos cónicos que se construían en irlanda y Escocia teniendo una función sepulcral 

Una preocupación que muestra desde sus inicios y que se observa en buena parte de su obra. En otras esculturas más totemicas sin embargo Andy se orienta por recuperar antiguos y primitivos antecedentes arquitectónicos, como es el caso de sus apilamiento de rocas titulado Floodstones Cairn que se puede visitar en la propiedad de Kentuck Knob. Un sitio peculiar en el que también se puede visitar uno de los más representativos proyectos del arquitecto Frank Lloyd Wright y que se encuentra en las proximidades de la localidad de Fayette County en el estado norteamericano de Pennsylvania  


Durante la década de 1980, las piezas de arte de Andy Goldsworthy utilizaban principalmente nieve y hielo, creando obras como Icy Arch o Arco de hielo (1982), Icy Ball o Bola de hielo (1985), Icy Start o Estrella de hielo (1987). La belleza de estas esculturas de hielo residía en observar los mecanismos por los que los bloques de hielo se acababan por derretir. Dejando constancia de que nada es perdurable, una vez que una pieza ha sido definitivamente alterada por la naturaleza, Goldsworthy posee la entereza de asumir su finitud abandonando el lugar donde ha estado trabajando.


Una sombra de un sujeto producto del agua de lluvia se dibuja sobre el la tierra rodeada de piedras humedas 


Pero es en Rain Shadows o Sombras de lluvia pieza creada en 1984, la que supuso un punto de inflexión en su carrera, marcando el comienzo de la fascinación de Goldsworthy por crear en espacios abiertos recurriendo a los materiales que le asaltaban en el camino. En este caso se trata más que de una obra, de una experiencia. Para la que el autor se interno en el bosque y se tumbo en un claro contemplando como la lluvia tenue se intensificaba. Efecto que provocó una sombra que proyectaba su cuerpo sobre el suelo rodeado de hojarasaca y el cual destacaba entre la tierra mojada.

El árbol cercado de Hanging Tree nos construye un relato que de forma anónima nos describe su historia en clave de biografia

Ya para finalizar mostraros una obra que me entusiasma y que a mi juicio sintetiza el credo sobre el que gira su trabajo. Titulada Hanging Tree de 2007. Estamos ante un altar en el que un ejemplar elegido al azar representa a un objeto de veneracion, transmutandose de lo terrenal a lo divino. Transformando el estatus del paisaje y los elementos que lo hacen posible y las reglas del juego, convirtiendo la quietud de la presencia anónima de un árbol ya caído en un hecho sagrado.


Monsieur Plant, el infinito retorno a la naturaleza

Hay dos formas de ver e interpretar las obras de Christophe Gunite conocido en el ámbito artístico como Monseiur Plant, de cuyo sugestivo trabajo ya os hablé desde NQ en este link hará cerca de tres años. 


Están aquellos que forman parte del grupo que piensan que sus obras son simplemente reflejo de una sociedad etno-antropomorgica e hipermodernista reflejando su necesidad de domesticar su entorno natural. Hasta convertir los paisajes y sus ecosistemas, en espacios que les deje transmitir cierto grado de amenaza y de inseguridad.


Este matiz se aprecia en esculturas que casi llegan al paroxismo de la humanización a través de apropiarse de iconos de la cultura Pop, tan reconocibles como Dark Vader. Cuya caracteristica y casi mitológica armadura, utiliza para camuflar su vergüenza ante el genocidio medio-ambiental que se está produciendo a su alrededo. Y que el señor Plant gestiona poniendo el acento en la denuncia y denuhumanizacion que paralelamente observa ante una naturaleza que agoniza vulnerable e indefensa, debido a la presencia y voracidad del ser humano y su civilización en proceso de "evolucion".


Para otros sus esculturas son como un minotaur os sofisticados y contemporaneos, donde se mezclan rasgos y contornos humanos con las anatomías orgánicas propias de la naturaleza. Representando narrativamente y visualmente el mensaje creado por la aparición de una especie híbrida maquina-humano. De un nuevo mesías encarnado en la persona de Monseieur Plant. De hecho la primera parte de su seudónimo significa monseñor en castellano, terminó eclesiástico que se aplica como una deferencia hacia ciertos miembros del clero perteneciente a la curia.

Este esfuerzo por crear un vínculo y una comunion entre el ser humano y la madre tierra se observan en otro tipo de propuestas donde crea híbridos con miembros corporales humanos y elementos vegetales como por ejemplo una variedad de troncos arboles. Esbozando pequeños actos de cordialidad que provocan una ternura inmediata e incluso llegan a conmover al que las contempla.

Queriendo emular a estos brazos y manos huérfanas y sustituirlos por abrazos reales, buscando, quizas una protección y un poco de ternura. Intervenciones pertenecientes a su faceta como artista de Land Art, y  con las que que ha ido ampliando su repertorio. Si al comienzo se trataban de objetos inanimados como los clasicos ordenadores de sobremesa fabricados por Apple en las década de los 8 0´s y  9 0´s del siglo pasado.

Brazos recubiertos de musgo se entrelazan con el tronco de un árbol creando uno

Que parasitaba con todo tido de plantas hasta que lograba modificar la función de este ordenador a los ojos de sus usuarios. Proceso de customization natural para los que también utilizo diferentes modelos de calzado deportivo de la archiconocida marca Nike, en las cuales anidaban restos de vegetacion menuda hasta ocultar el material original con el que estaban fabricadas. 


Piezas que han incrementado sustancialmente su cotización años después de haberse creado convirtiéndose en obras codiciadas por la comunidad de coleccionistas. Que valoran tanto estéticamente como conceptualmente unas piezas que transitan de lo más pretencioso o bizarro de la cultura Pop, a propuestas que invitan a reflexionar sobre la vigencia y la percepción de uno mismo como sujeto dependiendo del contexto en el que se formalice.

De esta etapa se pueden citar las series Just Grow It | Grasshopper o Plant Your Mac. A las que también se les pueden añadir otras como Spinplant por la que transforma el plato de un viejo tocadiscos en un macetero inprovisado o la que hizo como encargo para una de las ediciones We Green Festival. Titulada Wild Hot Rod, por la que muda el fuselaje metalico de una vieja furgoneta en una cobertura totalmente verde. 


El desafio de sus imágenes radica en su complejo mensaje. Desconectar de una sociedad artificial y materialista y volver a la naturaleza, creando piezas que destacan por sus elementos naturales donde la parte tecnológica se camufla o desaparece modificando la concepción que tenemos de ellas.

Acción con la que  satiriza el casi sagrado hecho de tener un vehículo privado, dejando en evidencia su status como objeto de consumo imprescindible. Crítica implícita que repite en Les Mains Baladeus con otro modelo más "reciente", en este caso escoge una destartalada versión de una furgoneta de la gama Renault a la que de forma sutil añade restos de musgo en lugares muy concretos, tanto en el interior como en el exterior del vehículo.


E incluso en un ejercicio de osadía sin precedentes se atreve con una de sus adoradas tablas de Skate, deporte urbano del que es un consumado y ferviente practicante, ocultando totalmente las betas de madera con materia organica. Aunque mantiene el perfil original de la madera en Natural Skaboarding el que es perfectamente identificable como la un patinete, si logra el impacto visual y ese marcado contraste entre la forma pulida industrial mente y la trazada por la naturaleza.


En la actualidad estos prologemenos o fases intermedias a través de los que ha ido acumulando un poso que tras madurar finalmente se materializa en la adopcion de un discurso, que se podría calificar de contemplativo. En el cual se percibe la puesta en escena de un ritual con tintes animistas donde la devoción gira entorno a los ciclos que marcan los ritmos a partir de los que rigen la naturaleza, intervenciones en el que paisaje exterior pasa a ser un actor principal. 

En sus esculturas orgánicas crea formas y símbolos ajenos a la naturaleza


Si hasta ahora se ha observado una conjuncion entre la materia inanimado y la naturaleza, entre lo netamente artificial y su antitesis, una materia que precisa de metabolizar otros compuestos para poder adoptar la forma definitiva. Estos valores cuando cobran valor y forma artística en espacios abiertos se nutren de procesos metabolicos similares.

Aportando nuevas perspectivas estéticas adaptándolas a un marcó externo, y de este modo cambiar sustancialmente su mensaje  una amalgama de New Age, con aportaciones étnicas y cultura tribal. Ingredientes con los que Monsieur crea a partir de un cuerpo central un alegato a favor de un retorno a la naturaleza respecto a la que cada vez estamos ajenos y distantes. 



No es tanto que a través de sus intervenciones paisajisticas puedas ver el futuro, pero si sabes interpretarlas puedes predecir algunos efectos con una precisión sorprendente.


Para eso crea una simbiosis entre el lenguaje corporal y la anatomía física, en las que participa tanto las ramas de los árboles como diferentes partes del cuerpo humano (como ya hemos dicho más arriba) principalmente brazos y manos. Que como tenazas se adhieren a las cortezas que cubren los arboles, para finalmente mimetizarte con estos sellando una especie de acuerdo mutuo, por el que ambas partes quedan obligadas a cuidarse una de la otra.




Estos parámetros conceptuales se observan en su serie titulada The Hug (el abrazo), de la cual Monseieur ha realizado varias versiones tanto a pequeña escala como la titulada The Forest of Dean Sculpture Trail, donde sólo participan dos manos que apenas pueden abarcar el diámetro del arbol. Como en aquellas donde la suma de manos se multiplican creando una comunidad más vigorosa como en las más recientes tituladas Ferra Botánica o Château de Seneffe.

O las primeras versiones como las que completo en 2019 con motivo de la exhibición celebrada en la localidad francesa de Annecy, o su continuación titulada Louvre-Lens. Intervenciones que según su autor simbolizan la evolución surrealista del ser humano hasta transformarse en un árbol. Absorbido finalmente por la "naturaleza" que ha recuperado sus derechos y dominio. En un último acto donde como colofon la naturaleza y el hombre se fusionan y se vuelven uno.



Estelle Chrétien, la redimension del paisaje entre lo público y lo privado



Existen imágenes que dependiendo del contexto en el que son realizadas o creadas, por si solas. Ya poseen la capacidad de causar tal impacto y magnetismo en el espectador, que a nivel inconsciente modifican la percepción que tiene uno del mundo que les rodea.


Ese efecto muchas veces de magnitud demoledora se observa sobremanera en la afiliación o complicidad deliberada que buscan los medios de comunicación con sus audiencias. Sobre todo en un entorno mediático parásitado por el instrusismo. Donde el valor intrisico del flujo de información que se sirve a los consumidores (muchas veces voraces) por acceder a nuevos contenidos.

Tiene que ver más con el, cómo te transmite determinada noticia o acontecimiento, que con el rigor y veracidad con que se trata el alcance de esa misma noticia. Lo importante es la forma narrativa no el significado de los hechos a partir de los que emana la noticia. Por eso cada vez más se habla de comunicadores en vez de periodistas. Los cuales despliegan todas habilidades para persuadir a sus espectadores.

Siendo lo importante y seductor la estética arquitectonica de la redacción de su noticia, independientemente del grado de objetividad que se aplique a la misma. Se trata de que sea lo suficientemente sugestiva y merece la pena ser leida, escuchada o sobre todo vista. Como para que se le conceda la atención necesaria convirtiendo la labor del periodista en un hecho trivial que suele acabar en un mar de frustraciones y desconcierto que provoca una crisis de identidad en el periodista.


Este mismo fenómeno de búsqueda del impacto se viene observando también desde hace unos años en relación a la práctica artistica. Donde numerosos profetas y gurus artististicos han incorporado a su entorno creativo, algunas de las pautas de este decálogo normativo no escrito. En el cual lo estético en términos de impacto conduce inexorablemente al significado simbólico de la obra que se está fraguando, siendo muchos y muy diversos los ejemplos que se podrían citar.

Pero con un matiz a mi juicio muy relevante y que por lo tanto hay que tomar en consideracion, tomando en este sentido todas las medidas y cautelas necesarias a la hora de juzgar a la ligera a las cualidades de la obra, tan sólo por una desmedida en el significado de la misma, por un supuesto tratamiento pretencioso del mensaje estetico que se trata de trasladar.

El vestir a los árboles con prendas de vestir humas es una técnica recurrente en sus obras

Mensaje cuya lectura casi siempre, por otra parte y en la mayoría de las ocasiones suele acabar formando parte de la esfera de lo privado y lo subjetivo. Pues por lo general en cuanto a la exposición de una obra artistica, suelen desplegarse un sin de interpretaciónes verosímiles con sus consiguientes escenarios. Algo que suele acabar irremediablemente en un collage donde el propósito del artista se diluye en una amalgama de posibles lecturas.

Polivalencia en el criterio del espectador que no implica que el artista esté equivocado a la hora de crear su obra a partir de la aplicación de un concepto impactante visualmente hablando, o al menos que lo haga con alguna pretensión (lo cual sería muy legitimo). Sino en el caso de la praxis artística lo que se valora es el vínculo entre la causa que detona la creación de la obra y su expresión estetica.


A pesar de que puedan haber artistas que si puedan haber escogido como opción conceptual y creativa el marketing visual y mediatico para llamar lo más posible la atencion del publico. Haciendo propuestas pretendidamente grandilocuentes, pero vacías de contexto y significado. Estos creadores representan una minoría dentro de la comunidad según mi percepcion.

Su obra nos transmite el relato de una ciudad como frontera entre nuestro anhelo de libertad y nuestra cruda realidad en un entorno dominado por lo artificial. De una ciudad aturdida por su pasado industrial, en un contexto eminentemente diferente en el que los espacios públicos naturales le son cada vez ajenos.


Siendo muchos más los artistas plásticos los que consiguen tener cierta repercusión entre los miembros de la opinión publica, cuando a pesar de que su propuesta artistica se pueda catalogar de impactante visualmente. En términos estéticos su gestión presenta una coherencia entre su forma, su significado-simbólico y el tema de fondo sobre la que se ha inspirado.

De estos matices te llegas a percatar cuando de forma inesperada puedes acceder a contemplar proyectos como el titulado Ground Operation, una intervención de la que ya hablamos por aquí en su momento, y cuya visión aunque transmite unas altas de impacto visual. Tanto en su gestación intelectual, como en su plasmacion material se percibe una honestidad inusitada entre entre las inquietudes y compromiso de la autora con su entorno.

Y lo contundente del resultado final de la intervención en terminos simbolicos, una intervención donde la sutileza no existe, describiendonos un paisaje herido. Ya sea como causa de algún fenómeno natural o por la presencia y voluntad de ser humano. Impacto, que necesariamente provoca una reflexión en el espectador que es retado por lo que en principio es una simple sutura realizada a un terreno ligeramente elevado.

Lisiere intervención de 2022 en la que aparece la silueta de una casa trazada sobre el suelo

Y es que si por algo se caracterizan los proyectos de la polifacética artista Estelle Chrétien, sobre todo en el ámbito de una especialidad como la del Land Art. Es por no distinguirse precisamente ambigua y políticamente correcta, incluso permitiéndose frivolidades cargadas de ironía como la titulada Dessous, obra minimalista realizada en el marcó de la residencia que tuvo la oportunidad de realizar en 2020 invitada por el Collectif des Possibles.


En ella se ve como una prenda de ropa interior femenina sirve para cubrir las vergüenzas de un árbol que deconcertado se convierte, al menos parcialmente en un maniquí improvisado. Localizado en un claro del bosque, las dos ramas del árbol que vigorosamente orientadas hacia arriba. Adoptan tras ser cubiertas con una prenda tan íntima como son unas mudas femeninas, una imagen totalmente transgresora que nos habla de cómo el ser humano ha parasitado hasta el último lugar de esta planeta.


Las intervenciones de Estelle Chrétien interactuan con el paisaje natural, como si se tratará el espacio público de una ciudad o el ámbito más doméstico. Estableciendo debates sobre los límites entre lo público y lo privado. 


No deteniendose ante nada llegando incluso a vulnerar lo más esencial de su entorno natural. Según palabras de la autora en su ánimo no está mantener un discurso tenga por objeto provocar nausea o herir la sensibilidad alguna. Sino a partir del empleo de la utilización de lo que ella denomina materiales "pobres", crear puentes que eviten que dejemos de vivir ajenos a los procesos propios del medio-ambiente, a los que por otra parte les debemos nuestra existencia.

Se trata de mantener una comunicacion perdida con un ancestro y un pasado común, una historia, no redactada por un historiador o estado-nacion. Sino por los cuerpos, sus volomunes y masas, que libremente interactuan respetándose de forma mutua e instintiva, y del tiempo de vida pasado con en estos cuerpos. Imitar estos gestos te pone en contacto secreto con muchos extraños que de otra forma nunca llegarías conocer, pudiendo viajar a través del tiempo y el espacio en toda su plenitud de forma contemplativa y serena. 



En sus últimas obras, destaca una serie compuesta por siete intervenciones y que tuvo como escenario los espacios verdes del Parque Napoleón de la localidad de Thionville. Villa situada a escasos kilómetros de las fronteras de Alemania, Luxemburgo y Alemania.  La autora sin abandonar la misma estrategia comunicativa, donde lo visual induce a debatir sobre temas como por ejemplo la domesticación del paisaje. 

Obras como la sarcástica Le Pied Au Sec (el pie seco), donde se ve como al tronco de un árbol se le enfunda una bota. Tratando quizás de humanizarlo de forma un tanto ingeniosa y vanal. Va encaminada en este sentido de tratar de moldear el paisaje hasta otorgarle un estereotipo y conducta humana. Representando un absurdo y una aberración natural, siendo la antítesis de todo aquello que conocemos por orden natural.



El Land Art de Charlie Baker, entre la función y el paisaje


No es muy habitual que una disciplina artística tan singular y específica como es el Land Art se hibride con otras prácticas creativas. Quizás esta falta de interacción haya que buscarla en que como manifestación expresiva. 


El land art tiene su origen en antecedentes relativamente recientes, no está de más recordar que las primeras ocasiones en las que se emplean el término del Land Art,  con el propósito de asociar y describir obras de esta incipiente disciplina. 


Dentro del universo artístico se datan en las estimaciones más aproximadas y certeras que lo sitúan en la vertiginosa de los años 60s del siglo pasado. Cuando el artista conceptual Robert Smithson se traslado de su lugar de residencia habitual en New York donde hastiado de una trayectoria que no le conducía a ningún sitio. 


Al desierto más concretamente a las extensas y aridas planicies. Localizadas en el oeste de Utah, donde comienza a intervenir en aquel paisaje en principio muy desfavorable para cualquier tipo de práctica artística, más que nada y principalmente por las extremas condiciones del clima.


De aquellos incipientes balbuceos quizás la más conocida posiblemente la intervención que lleva por titulo  Spiral Jetty obra epifaníca y voloptuosa creada en abril de 1970 en el Gran Lago Salado en Utah. Y que como ya he mencionado a la postre y oficialmente se convirtiera en la primera de esta corriente artistica.


Lego principia al que hay que añadir una razón de peso y que está vinculado primero al contexto donde se realizan la práctica totalidad de obras que se circunscriben a este movimiento. Y que se caracterizan por que están ejecutadas en espacios amplios y abiertos.


Adosados a los árboles los enormes nidos cuya presencia realza el paisaje circundante


Donde el paisaje y la naturaleza constituyen en el eje sobre el que se cimenta una modelo creativo,  cuyo criterio es integrarse en su entorno de la forma más casual posible, infligiendo a su vez el mínimo impacto posible. 


Argumentos contundentes el de la exogenidad y principio que se completa con el de origen y cualidades de los materiales, que por defecto se suelen circunscribir abarcando aquellos materiales que se encuentran en el propio medio donde se va a concretar la pieza. 


O hablando con más precisión, más que con las características organicas y nobles, sino con el tratamiento informal y casi siempre mínimo de aquellos elementos que conforman una mayoría de las obras. Las que tanto a nivel estetico como conceptual. 


El artista NewYorkino Charlie Baker explora las fronteras entre el Land Art más militante y sus potencial en diferentes ámbitos de uso como la artesanía, el diseño o la decoración de interiores. 


Presentan un aspecto que se define por su austeridad y economia de medios. Tendencia que sin embargo en los últimos años se ha modificado en lo sustancial observándose una diversidad más amplia nutrida por cada vez más sensibilidades artisticas, que sin renunciar al camino de la ortodoxia. 


Si, sin embargo han conseguido que desde diferentes ámbitos como el de la decoración de interiores o el diseño en general se interesen por incorporar motivos extraídos del Land Art que se incorporan a los más variopintos proyectos donde el paisaje natural sin embargo si es perceptible. 


Uno de estos artistas que está consiguiendo introducir la práctica del Land Art en otros ámbitos, es el artista Charlie Baker, con sede en New York donde nació y crecio. Tras matricularse en literatura española y completar la carrera. 

El interiorismo de una renovada panadería se la transforma en un paisaje con diferentes ambientes


Enseguida se siente atraído por la naturaleza, quizas debido a la nostalgia que experimenta de los veranos de su infancia, los cuales pasaba en compañía de su familia en Shelter Island. Un lugar que pese a la proximidad con la gran manzana ha conseguido conservarse prácticamente intacto y salvaje.


Donde combina su pasión por la naturaleza con los estudios de diseño en paisaje que completa en la New York Botanical Garden. En cuyas aulas adquiere las habilidades que paralelamente aplica posteriormente en  sus proyectos más elaborados. 


Los que se definen su función y proyección artística. Encargos cómo las puertas enramadas realizadas para uno de los accesos del One Hotel en Central Park. Y que a menor escala presenta una correlación con su proyecto debut. 

Un patio interior es sostenido por columnas envueltas en ramas


El cual tuvo por marcó una playa de Uruguay, sobre cuya arena levantó una sucesión de estructuras interconectadas, estos nidos construidos, los cuales fueron construidos a base de reunir y apilar miles de ramas. Estando destinados a diferentes usos relacionados con actividades de ocio y restauración. 


Residuo forestal que recolecta en sus paseos por Shelter Island, y que tras cortarlos a diferentes longitudes emplea para cubrir, diferentes bastidores que presentan una diversidad de funciones. Como las que hizo para recién inauguradas instalaciones de Gassenvort Market en NY. 


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Un encargo por el que transforma una vieja nave en un acogedor espacio multiusos. En su faceta esencialmente artística destacar su participación en la edición de 2017 del Campo Garzón Art Festival. En cuya campo de trabajo creo en colaboración con otros participantes un arco enraizado. Titulada Twig Arch, se trata de una pieza que se convirtió en la entrada de bienvenida al encuentro.

 



Seven Magic Mountains, arte Land Art y color frente a la codicia


Con aproximadamente 16 millones de visitas, que son los vehículos que se estiman que circulan anualmente por la interestatal que esta a poco mas o menos de 10 millas al Sur de  la interseccion de Las Vegas Boulevard con St. Rose Parkway in Henderson en el estado americano de Nevada.


La instalaccion titulada Seven Magic Mountains quizas sea la obra de un artista vivo mas visitada del mundo, aunque sea de forma casual, ya que la inmensa mayoria de los vehiculos que pasan por sus inmediaciones, no tienen como proposito el acercarse a contemplar este conjunto de totems postmodernistas.

Que bien podria representar un nucleo familiar, pero que segun palabras del propio autor Ugo Rondinone, un artista nacido en Suiza, y que tras pasar buena parte de su infancia dando tumbos por Europa, finalmente decide trasladarse a New York donde actualmente tiene su estudio. 


Tan desafiantes como conciliadores los totem miran hacia Las Vegas

Estas siete piezas que combina la estetica mas chic y acida con una practica megalitica que para muchos amantes de la cosmologia simboliza a formaciones geológicas y composiciones abstractas, fenómenos primordiales evocados como el aire, las lunas, el sol y todo aquello que tenga que ver con el cosmos.
 
 


Tratan de reflejar la tensión entre los extremos en los que a su juicio estamos situados como individuos, un dilema en el que confluyen los estados de euforia y excitacion por un lado y la tristeza y la depresión por otro, una ambivalencia de la que es muy complejo abstraerse.

 

Precedidas de unas largas sombras que se extienden sobre el desierto de Nevada, el conjunto escultorico titulado Seven Magic Mountains realizado por el artista Ugo Rondinone  proyecta sin embargo un mensaje familiar y lleno de vida y color.     


A no ser que por un instante reparemos en lo inportante que es la contemplación de nuestro entorno, pauta en la que desde que se instalo en 2016 hace hincapie el artista, que ya modifico la posición de todas y cada una de las piezas hasta orientarlas hacia la proxima ciudad de Las Vegas.

Con el objetivo funcional de que la obra actuase como  dique fronterizo, como barrera de contención, que filtrara, evitando que pasara todos aquellos valores impuros y toxicos, que proyecta la conocida como la ciudad del pecado.
 
Alineadas las figuras mantienen un frente ante un mundo de vicio y contradicción

Alineadas con la tenue linea del horizont las siete piezas compuestas por piedras pintadas con vistosos colores forman parte del proyecto apadrinado por el Museo de Arte de Nevada, y que tiene como medio cretivo asi como expositivo las zona aridas del estado.

Aunque en principio se iba a poder visitar durante un periodo de tan solo tres años, debido a la gran expectacion que han suscitado las siete figuras que forman Seven Magic Mountains, se ha decidido prorrogar el plazo hasta finalizado 2021, en el mismo area donde los  Michael Heizer y Jean Tinquely crearon algunas de las primeras intervenciones de Land Art



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Quizas sea porque pese a sus grandes dimensiones pudiendose divisar a varios kilometros de distancia y aparente fragilidad, lejos de resultar una obra intimidatoria o insegura resulta ser una presencia que debido a sus vivos colores invita a cualquiera a acercarse con total confianza.

Y es que esta obra de aspecto ludico que tiene como antecedentes los dólmenes y menhires que protagonizan la primera obra a gran escala de Ugo, ya cuenta con un sucesor que bajo el titulo Liverpool Mountain tuvo su emplazamiento en el exterior de la Tate Liverpool en Octobre 2018, transmite ante todo un mensaje optimista y esperanzador acerca del futuro y la condición humana.