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Marjan Teeuwen - Destroyed House, la tensión entre la construcción y la destrucción


La primera referencia que le viene a uno a la cabeza, cuando ve por primera vez las intervenciones de la artista holandesa Marjan Teeuwen. Son imagenes relacionadas con el artista Matta-Clark y sus Building cuts.

Al igual que este Marjan trabaja con arquitecturas deterioradas en fase de abandono y por lo tanto de carácter efímero, tratando el espacio y sus elementos estructurales como materia creativa con la que realiza instalaciones.

Que navegan entre la entropía y la contemplación de la materia como algo que se transforma. Aunque las coincidencias divergen en ese punto en el que trabajo de Marjan aborda la praxis expresiva como algo periódico y casual.


Proceso en el que los ciclos transforman su textura, composición y función estética modificando  el discurso original del edificio donde se ejecuta. Donde las incisiones geométricas sirven para construir bloques uniformes de efecto masivo.


En unas obras donde los recursos artísticos son proporcionados por los residuos y objetos de reciclaje, así como minucioso proceso de elaboración. Conformando la identidad de cada estructura y atomizando su valor estético.


Con lo que la autora desafía los perjuicios y valores estéticos imperantes, utilizando un discurso estético minimalista que rompe con los canones académicos mas ortodoxos. Acumulando fragmentos de objetos en el espacio donde la perspectiva y profundidad de los volúmenes son contemplados como un recurso cosmético en mitad del caos.

En sus intervenciones el poder constructivo de se complementa con el  de la destrucción y su deterioro y el orden del caos que provoca. En esencia su trabajo resume la condición humana. Para eso la artista cita al escritor ruso Dostoievski.

Que argumenta que superar esta polaridad está más allá de lo humano. Su narrativa nos invita ha profundizar en los excesos de la historia humana, estos excesos de violencia, y sus manifestaciones en la condición humana, forman la base de su obra.


El artista Danh Vo fragmenta la Estatua de la Libertad a escala 1:1

Si hay algún elemento que simboliza el espíritu de New York y define su paisaje urbano, esa es sin lugar a dudas La Estatua de la Libertad. Encaramada desafía las corrientes del océano Atlántico, a la vez que da la bienvenida a los millones de visitantes que recibe la ciudad cada temporada.

Ejecutado por el artista Danh Vo, el proyecto que lleva por nombre We The People tiene como objetivo de reproducir de forma fragmentada y a escala real, todas y cada una de las secciones que compones la escultura original. De forma que se distribuya como una simiente abarcando la mayor parte del perímetro municipal que dio origen a la ciudad. 

La primera fase del proyecto cuyas piezas se han ubicado en localizaciones de los parques de City Hall Park y Brooklyn Bridge Park. La versión segmentada de Vo es fiel a la original, utilizando las mismas técnicas de fabricación y materiales como el cobre, de este icono mundialmente con el que el autor pretende reflexionar sobre el significado de la libertad desde múltiples perspectivas.


Realizada en el marco del programa de arte publico Public Art Found. Las diferentes piezas a pesar de presentarse diseminadas se terminan por reconocer, indicando la fuerza identitaria que se le atribuye. El título para este trabajo  y la exposición las toma prestadas de las tres primeras palabras del preámbulo de la Constitución de los Estados Unidos, lo que subraya nuestro papel colectivo en la formación de la democracia. 



Wislawa Szymborska - Prospecto


Soy un tranquilizante.
Funciono en casa,
Soy eficaz en la oficina,
me siento en los exámenes,
Comparezco ante los tribunales,
pego cuidadosamente las tazas rotas:
sólo tienes que tomarme,
¡ disolverme bajo la lengua,
tragarme,
sólo tienes que beber un poco de agua.

Sé qué hacer con la desgracia,
cómo sobrellevar una mala noticia,
disminuir la injusticia,
iluminar la ausencia de Dios,
escoger un sombrero de luto que quede bien con una cara.
A qué esperas,
confía en la piedad química.

Eres todavía un hombre (una mujer) joven,
deberías sentar la cabeza de algún modo.
¿Quién ha dicho
que la vida hay que vivirla arriesgadamente?

Entrégame tu abismo,
lo cubriré de sueño,
me estarás agradecido (agradecida)
por haber caído de pies.

Véndeme tu alma.
No habrá más comprador.

Ya no hay otro demonio.

Leonardo Erlich - The Furniture Lift, una habitación surrealista flotando en el vació


En la ultima intervención del artista conceptual de Leonardo Erlich
 sigue poniendo a prueba la percepción del espectador, en relación como concibe normalmente la arquitectura con la que relaciona habitualmente.

Así como las características del espacio donde actua. En este caso el elemento estructural protagonista es el fragmento de una cornisa que se mantiene inerte en la altura apenas sostenido por una escalera. Levitando en el vacio en el centro de la plaza mayor de la localidad francesa de Nantes

Su presencia se convierte en seguida en objeto de atención para los peatones que la cruzan, o que sorprendidos se toman un café en una de las muchas terrazas que hay a disposición de los clientes. 


Realizada para la edición celebrada en 2.012 del festival de arte urbano Le Voyage que se celebro entre 15 de Junio y el 1 de Septiembre. The Furniture Lift es un artefacto visual colgado en el vació que causa una mezcla de asombro y admiración en el que la contempla. 


Tentándole ha ascender por una escalera entre cuyos peldaños hay uno que está bloqueado, dificultando el ascenso. Debido a que hay depositado en mitad del peldaño un conjunto de muebles que hace de barrera transfronteriza entre la realidad de lo que vivimos y lo que deseamos obtener y el trauma que nos puede suponer 

Se trata de una instalación inmersiva que recurre a elementos cotidianos para crear una la ilusión óptica, a través de la que nos interroga sobre la percepción que tenemos de la realidad y cómo manejamos nuestras emociones exponiendonos a una variedad de situaciónes más o menos imprevisibles.


Y cuyo primer antecedente es la instalacion titulada Bâtiment, que data de 2004 y que tuvo como escenario la Nuit Blanque que se celebró en Paris. Y en la que ya concebía el espacio publico como un medio de expresión artística a través del que implicar al espectador de forma activa en la contrucción de una ficción interactiva. 

JUMP INTO THE FUTURE:

At last this year, the first ever exhibition dedicated to the Argentinean artist in Europe has been announced. It will be celebrated between 22 April and 4 October 2023 at the Palazzo Reale Milano. An exhibition in which they will be able to interact with his large-scale proposals.

ALSO IN SPANISH:

Por fin este año se ha anunciado la primera exposición restropectiva dedicada al artista argentino en Europa. La cuál se celebrará entre el 22 de abril al 4 de octubre de 2023 en el Palazzo Reale Milanode la ciudad lombarda de Milan. Una exhibicion en la que podrán interactúa con sus propuestas a gran escala. 



Tom Sanfords - Saints of the Lower East Side

Para su primera intervención en el espacio publico el artista plástico Tom Sanfords con sede en New York, recurre a la técnica del retrato, disciplina en la que es un experto y por la que obtenido un cierto reconocimiento. Dividido en siete secciones Saints of the Lower East Side reproduce los semblantes de otros tantos artistas.

Cuyo nexo de unión es el distrito de Lower East Side de Manhattan, a este común denominador hay que añadirle otra coincidencia, que sus trayectorias corrieron paralelas al origen, desarrollo y epilogo, del movimiento contra cultural norteamericano.

Realizada en el marco del programa de arte público ArtUp organizado por FABnyc. La exposición al aire libre cuenta con siete retratos pintados y montados sobre un bastidor de catorce metros. Estaba situado sobre el nivel de la calle, en un andamio que ocupa la marquesina del antiguo Culture Centre Street

Martin Wong, Joey Ramone, Miguel Piñero, Ellen Stewart, Charlie Parker, Arthur Fellig y Allen Ginsberg. Son los siete iconos de la cultura norteamericana (la mayoría desaparecidos). A los que Tom homenajea se retratan añadiendo elementos que hacen referencia al genero o movimiento al que pertenecieron.


Lisa Park, capacidad sensitiva y expresión corporal


Utilizando un dispositivo de lecturas de ondas cerebrales EGG, la artista surcoreana Lisa Park traduce mediante un electrodo implantado en su cuero cabelludo las frecuencias Delta, Theta, Alfa, Beta, así como los movimientos oculares.

En sonidos sintetizados por un software de tratamiento espacializado en interpretar la longitud de onda emitidas a nivel subcortical por el cerebro. La perfomance titulada Eunoia (Hermoso pensamiento en griego) es la sucesora de otras experiencias como la sugerente y a la par peturbadora Le violon d'lisa

Donde la artista conceptual transforma su cuerpo en violenchelo en el que la calidad del sonido y su melodía varía dependiendo del área corporal que es interpretada. Siebdo la intervención que completa una trilogía en la que se exploran las capacidades de la tecnología en relación a su interacción con el cuerpo humano.


Titulada a Obsesión es triste pasión. Donde Lisa usa un sensor de frecuencia cardiaca vinculado a la narración de un texto del autor Patrick Suskind titulado Tres historias y una reflexión. Narrada por la propia lisa, la velocidad del tono y la calidad de la dicción que emplea varía en función de la frecuencia de su ritmo cardiaco. 

Inspiradas en el pensamiento El hombre es algo que debe ser superado. ¿Qué ha hecho usted para vencerlo", del filósofo existencialista Friedrich Nietzsche. Lisa plantea la posibilidad de ampliar el potencial del hombre más allá de sus límites corporales utilizando para ello el arte preformativo.


Explorando cuestiones como la vulnerabilidad, el autocontrol y la liberación a las que con frecuencia todos estamos expuestos. Lisa crea metáforas visuals simples que permite ver claramente los efectos de la actividad del cerebro mediante el uso de tecnología y los efectos generados por elementos como el agua el sonido creando coreografias de movimientos elegantes.
 
Con estudio en New York se formo doctorándose en bellas artes y multimedia  en el Art Center College of Design.  Multidisciplinares sus propuestas son una combinación de diferentes técnica como la pintura, la instalación, la fotografía y el vídeo. Su obra explora la integración de la tecnología y el arte.



Dosnoventa - We were never born, publicidad en bicicleta inspirada por Jack Kerouac


Para su ultima pieza audiovisual el colectivo de diseñadores de bicicletas urbanas Dosnoventa con sede en Barcelona recurren a la literatura, para expresar lo que sienten por la bicicleta como usuarios y como diseñadores. 

El extracto literario seleccionado es un fragmento de una obra del escritor perteneciente a la generación beat Jack Kerouac. Filmado en colaboración con la marca de moda Lacoste L!VE

De la dirección se ha encargado Sergi Castella (que ya realizara su video  DSNV RUN NYC, con el que  compartian su aventura americana). Para la filmación de We were never born, en vez de las calles numeradas de New York, escorgieron diferentes localizaciones donde el paisaje montañoso combinado con la bicicleta.


Creando una atmósfera donde la sensación de espacio y libertad se percibe en cada fotograma de spot, el cual podéis ver en el siguiente enlace pulsando AQUILa producción sirve para promocionar la apertura de su nuevo espacio comercial en el número 5 de la calle Bocabella de la ciudad condal. Donde los clientes podrán adquirir los productos de Dosnoventa además de la linea de moda que ha confeccionado Lacoste en exclusiva para ellos.

Tengo muchas cosas que enseñarte ahora, en caso de que no nos encontremos, sobre el mensaje que me fue transmitido bajo un pino en Carolina del Norte, una fría noche de luna de invierno. Decía que Nunca Nada Aconteció, así que no te preocupes. Es todo como un sueño. Todo es éxtasis, por dentro. Nosotros simplemente no lo sabemos debido a nuestras mentes pensantes. Pero en nuestra verdadera esencia mental se sabe que todo está bien por siempre, por siempre y para siempre. Cierra los ojos, relaja las manos y las puntas de tus nervios, deja de respirar por 3 segundos, escucha el silencio dentro de la ilusión del mundo, y recordarás la lección que olvidaste, que se te enseñó en la inmensa y suave nube Vía Láctea hace mucho tiempo, hace innumerables mundos y ni siquiera del todo: Es todo una Gran Cosa despierta. Yo la llamo la eternidad dorada. Es perfecta. Nunca nacimos realmente, nunca moriremos realmente.

Carta de Jack Kerouac a Edie Parker. Enero de 1952.


Sweza - QRadio: una plataforma de intercambio de música en el espacio público


El artista urbano con sede en Berlin Sweza emplea el espacio publico combinandolo con las posibilidades que te ofrece la tecnología, con el objetivo del quien se aproxime a sus propuestas interactué empleando además del sentido de la vista, el oído y el tacto. 

Pegados en diferentes puntos de la ciudad dibujos a escala real antiguos equipos estéreos con pletina reproducen un fragmento de una pista thecno, Para que esto suceda.

QRadio lleva integrado un código QR en el dibujo, que al ser escaneado por un teléfono móvil en el que se haya instalado la aplicación Repudo reproduce el sonido mientras te muestra el giro del magnetofono.

Repudo es un servicio que está disponible como una aplicación sólo para el iPhone y Android, permite a sus usuarios reproducir todo tipo de contenido multimedia como un texto, una foto, un vídeo o un mensaje de audio en cualquier lugar que deseen. 

MÚSICOS CALLEJEROS Y PUBLICO UNIDOS POR EL ARTE URBANO

Solo hay que exponer la pantalla del móvil acercándolo al codigo QR impreso sobre stencil, y dejarse sorprender por una selección de sonidos variopintos iinspirados en el palpitar de la calle y con sabor urbano.

La intervención urbana en sí es una muestra bastante interesante que explora las posibildades que ofrece el arte callejero y  su relación con la música desde el contexto que ofrece el espacio publico y la actividad que genera.


Mas allá de una dimensión estética y visual. La aplicación como concepto recurre a la memoria sentimental tanto del publico como del músico, convirtiendose en una herramienta de dinamización  y actividad social y cultural.


Victoria Campillo - Jardines, el mito del arte contemporáneo y un paisaje ajeno


La artista conceptual Victoria Campillo vincula la identidad de reconocidos artistas plásticos con elementos arquitectónicos. La serie titulada Jardines comienza con su traslado a una zona de payeses en el Baix Llobregat en Cataluña (España).

Una comarca dominada por huertos y explotaciones agricolas, cultivadas con esmero por familias de hortelanos que cosechan sus pequeñas parcelas desde hace años, construyendo sus propias cabañas donde guardan los aperos de labranza. 

Estas tipologías arquitectónicas muy rudimentarias se construyen con materiales de deshecho, manteniendo un nexo común con los parajes del territorio pero difiriendo estéticamente. Por lo que la autora en su recorrido lo asocia a la iconografía de diferentes artistas todos ellos nacidos en el siglo XX. 


Las fotografías asignadas por un epigrafe a un autor determinado adquieren de esta forma una identidad iconica. La serie la compone un centenar de fotografías donde se conjuga las especificaciones propias de la arquitectura local, con la firma de grandes creadores plásticos.


Victoria Campillo nació en Barcelona en 1957 donde todavía trabaja y vive. Empezó a dibujar desde una edad temprana y descubriendo sus habilidades obvias una maestra aconsejó a sus padres promover sus inclinaciones artísticas. 


Durante los últimos veinte años ha estado trabajando sin parar en su proyecto fotográfico, basado en la identidad que viene con los objetos de la cotidianidad y su relación con el Arte. En su trabajo, hablo de arte, citando a otros artistas y es.tableciendo pautas con otros ambitos creativos.




How Much Do I Owe? - ¿Cuanto le debo?


Con el elocuente e irónico titulo de How Much Do I Owe?, (¿Cuanro le debo?) la entidad para la promoción del arte contemporáneo en el espacio publico No Longer Empty, ha organizado una exposición en la que han seleccionado un total de 26 artistas de 15 países, pretende reflexionar sobre las causas y consecuencias del actual periodo de depresión económica y de valores

Para exhibir las obras en sus diferente formatos(instalación, escultura, mural, perfomance, vídeo instalación...), han seleccionado como escenario las instalaciones del antiguo Banco de Manhattan en Long Island en New York. No Longer Empty pretende revitalizar las comunidades a través del arte. Organizando exposiciones en lugares específicos, relacionados con la temática de la actividad o con la comunidad donde se desarrolla. 

Inaugurada el 12 de Diciembre del año recién finalizado, se podrá visitar hasta el 13 de Marzo de este año, ubicada en el sótano donde situada la cámara acorazada del banco, símbolo y vehículo de la muestra, cuya función era almacenar el  dinero hasta que se traspasaron sus depósitos.


¿Cuánto le debo? echa una mirada no sólo a la infraestructura de las finanzas, sino cómo su arraigo en nuestra cultura y en nuestras interacciones diarias. ¿Cuánto le debo? " Es una pregunta que nos hacemos todos los días, de una forma u otra. Ya sea realizando transacciones comerciales o devolviendo el reembolso de un préstamo, estamos constantemente poniendo un valor monetario a nuestras acciones mas cotidianas.

Finally Studio - Understand Music, animación que te invita de forma divertida a aprender solfeo


Para representar melodías de música graficamente se emplea el solfeo, un lenguaje compuesto por símbolos que puede ponerte en serios aprietos si eres un profano en su conocimiento. 

Para corregir esto la agencia de diseño y publicidad cono sede Mainz en Alemania Finally Studio. Ha creado una animación titulada Understand Music en la que echándole imaginación representa diferentes fragmentos musicales a través de figuras dibujadas con notas, corcheas y bemoles.

Las cuales dispuestas en el orden adecuado haceen alusión al contenido de la obra que se interpreta en el transcurso una historia que aparte de destacar por su estética visual (un tanto minimalista.) Es porque aparte de amena resulta muy intuitiva.


Logrando escribir una partitura animada que cualquiera pueda entender o al menos si llega a ser relativamente comprensible para casi cualquier oído, por mucho que no esté cultivado en la audición de música como pueda ser el reputado melomano. Que por supuesto le será muchísimo menos complejo.

Understand Music es un proyecto multimedia que podéis ver íntegramente desde AQUI. Que  incorpora elementos pedagógicos cuya función es facilitar la lectura de cada frecuencia, compás y harmonia escrita en la partitura.

Desde 2012 Finally Studio desde su sede en la ciudad alemana  de trabajan en una amplia gama de proyectos visuales como animaciones, presentación gráficas e infografías dirigidas al ámbito cultural y educativo.



Un edificio en mitad de una autopista



En un mundo eclipsado por un descomunal caudal informativo, donde la inmediatez casi instantánea propiciada por la tecnología digital, nos convierte en consumidores compulsivos de noticias. Casi ninguna redacción emitida por una agencia de noticias nos puede ya sorprender. Por eso cuando me he tropezado casi por casualidad con la historia de la familia Beogan y su leonina resistencia a ser expulsado o mejor dicho trasladados de su modesta vivienda, he pensado en la celebre frase, de que la realidad todavía a la ficción. 

Originarios de la Zheijang en China Luo y exposa siempre habían residido junto a otros 500 vecinos en una pequeña y plácida aldea, que carecía de cualquier tipo de equipamientos o servicios. Pese a estas carencias su unidad familiar y el resto de los miembros de la comunidad, vivían en armonía con su entorno del que obtenían todo aquello que precisaban, para cubrir sus necesidades básicas.
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Hasta que un buen día las autoridades que justo por el valle en el que la comunidad de Lou había vivido siglos y sus correspondientes generaciones, se construiría una enorme autopista, causa por la que tendrían que mudarse a otro lugar. A cambio de la expropiación, la administración les concedía la nada desdeñable cifra de 41.000 dolares americanos. Cifra suculenta que todos los vecino de la aldea aceptaron menos Lou, que la rechazaba.

¿El resultado? es que pese a las objeciones y argumentos para que se paralizara la ejecución de las obras, el trazado de la autopista se completo, "respetando" un punto, el emplazamiento original donde sigue viviendo Luo y su fiel esposa. Que en la actualidad cuando se despiertan por la mañana y se asoman al porche de su vivienda a saludar al nuevo día.

Ven como rodeados por un mar de asfalto, su edificio semiderruido se mantiene erguido siendo devorado por la civilización, mientras los coches en una procesión incesante, les somete a unas condiciones de vida que dista mucho de lo que podríamos considerar aceptables. Esta escena totalmente surrealista es fruto de cuatro años de un contencioso mantenido por los propietarios con las autoridades y que todavía esta pendiente de resolución.

Erdal Inci - La ilusión del movimiento Deja-Vu


Aunque parezca que su elaboración y montaje son sencillos, lo cierto es que cada breve secuencia cuyo metraje puede oscilar entre unos cuantos segundos y un intervalo de tiempo que no supera los treinta segundos. 

Puede implicar dependiendo de la cantidad de sujetos que su autor el artista y fotógrafo turco Erdal Inci varias horas. En un proceso donde emplea secuencias de vídeo, para crear efectos de movimiento en formato gif

La sensación de clonacion del cuerpo que se desplaza en el espacio y el tiempo, experimenta con el fenómeno de deja-vu. Convirtiendo la expresión corporal en un gesto autómata.


Ubicados en multitud de contextos cada carrusel adopta una personalidad aunque transmita sensaciones muy similares. Aunque buena parte de los fragmentos están protagonizados por Erdal teniendo como escenario de filmacion el espacio publico. 

Hay ocasiones en las que recurre a espacios cerrados. Donde debido a las limitaciones recurre a herramientas CGI, con las que multiplica las veces que estima cada acción ejecutada por el mismo. Acciones casi siempre casuales que son fruto de escenas que observa en la calle y le sirven como argumento inspirador.     



Museum of the Seam, mas allá de la memoria

Construido en 1.934, el edificio que alberga el Museum of the Seam en la milenaria Jerusalem, simboliza el conflicto árabe israelí. Expulsados de su propiedad en 1.948, los que se consideran sus legítimos dueños la familia  palistani Baramki siguen reclamando su resistitución

Desde la azotea del museo, se puede ver a través de la Línea Verde a Jerusalén Este, justo enfrente de lo que era Mandelbaum Gate, el único punto de cruce entre los dos lados de la ciudad en ese momento. 

La estructura del edificio así como la fachada semi derruidos "conserva" los arañazos y cicatrices de los numerosos ataque a los que se ha visto expuesto.  Debido a que se utilizó como un puesto de avanzada militar israelí entre 1948 y 1967 ya que se sitúa justo en la frontera de entonces entre Israel y Jordania.


Elegido por su relevancia en la tensa convivencia que mantienen los pueblos israelita y palestino. Creado en 1.999, esta dirigido por su fundador el comisario de arte Raphie Etgar cuenta con la financiación de la Fundación Jerusalem. 



Es a partir de 2.005 cuando desarrolla una actividad con la organización de importantes muestras anuales como  Dead end (2005),  Equal and less equal (2006), Bare life (2007/08),  Heartquake (2008), Nature nation (2009) o las dos ultimas HomeLessHome y The Right to Protest que datan de 2010. Con cada una de las  muestras se ha pretendido buscar tender puentes entre las partes enfrentadas. 


El museo se compromete a evaluar la realidad social dentro de nuestro conflicto regional, para promover el diálogo frente a la discordia y al fomento de la responsabilidad social que se basa en lo que todos tenemos en común, más que lo que nos separa.

La colección permanente incluye obras de artistas de 11 países - entre ellos Israel -Palestina, Irán, Corea del Sur, China, Francia, EE.UU. y Sudáfrica - usando formatos como fotografía, vídeo, instalación o escultura.




Richard Hooker - Bus Stop, lo cotidiano que vivimos en una parada de autobus


Algo tan trivial aparentemente como una parada de autobús se puede convertir en muestra de la diversidad de una comunidad, o eso es al menos es lo que pensó el fotógrafo Richard Hooker, cuando apostado en diferentes paradas de autobús de la ciudad de Londres realizo entre 2.001 y 2.005 la serie Bus Stop.

Compuesta por un total de 135 instantáneas, se trata de un conjunto de fotografías que se tomaron entre 2001 y 2005, las cuales representas el multiculturalismo que ha experimentado la capital del Reino Unido, a lo largo de los últimos treinta años. Siendo ese periodo de tiempo en el que quizás se observo más ebullición. 

Siendo un fenómeno que se ha observado sobretodo desde que arrancó este nuevo milenio cubriendo prácticamente toda la primera década del siglo XXI. Registrando con su cámara todo un calidoscopio, que bien podría  convertirse en objeto de un estudio sociológico.


El conjunto de fotografías explora cómo las personas se relacionan entre sí en espacios confinados, ofreciendo fragmentos de su comportamiento y habitos. Cada pocos minutos en algún punto de la extensa red de transporte se reunen en pequeños grupos para compartir el mismo espacio y un momento fugaz en el tiempo. 


Basta con esperar a que algo acto casual y rutinario describa ese acontecimiento convirtiendolo en algo digno de ser fotografiado, lo que por otra parte sucede con asiduidad. 


Cada colección de estas personas resulta totalmente diferente al siguiente. La forma en que las personas se apropian del espacio, la forma en que se congregan. Señalando las combinaciones específicas de personas y lugares en un lapso en el tiempo documentando este interesante fenómeno socio-cultural.


Daria Makarenko - Palabras talladas en la piedra



En la serie de intervenciones urbanas The Ceramic Speaks in the Street se da un paso mas en la utilización de elementos del espacio publico, para manifestar ideas a través del arte urbano. En este caso la artista rusa Daria Makarenko talla en fragmentos de piedras o cerámicas frases alusivas al entorno o a su estado de animo en ese momento, incrustandolos en grietas y hendiduras de muros y acera que se encuentran en los alrededores de la ciudad de Estocolmo.

En esencia ha sustituido de una manera creativa y filosófica, los ladrillos y las piedras que faltan en las paredes y pavimentos, de tal manera que casi se funden con su entorno,  ajustándose ligeramente para ofrecer declaraciones como por ejemplo. "El silencio también lleva un mensaje sin necesidad de romperlo".


Shawn Clover - 1906 + Today: The Earthquake Blend


El proyecto 1906 + Today: The Earthquake Blend  se origina a partir de la lectura del libro titulado San Francisco is Burning, escrito por Dennis Smith, en el se recrean los acontecimientos del terremoto de San Francisco, una catástrofe acaecida en 1906, y que en tan solo 25 segundos de actividad sísmica de la falla de San Andrés, desbasto la mayor parte de la ciudad.

Estos hechos traumáticos, han sido objeto de numerosos estudios a lo largo del ultimo siglo, documentación que tras ser recopilada, le ha servido al fotógrafo Shawn Clover, para elaborar las dos series que componen un trabajo, en el que rescata parte del pasado  trágico de San Francisco, y lo suporpone con fotografías realizadas recientemente de la ciudad. Esta dualidad espacio tiempo representa una postal donde habitan la memoria  y un presente que discurre aparentemente indiferente en relación a su historia.

Rubén Darío - Ama Tu Ritmo


Ama tu ritmo y ritma tus acciones
bajo su ley, así como tus versos;
eres un universo de universos
y tu alma una fuente de canciones.
La celeste unidad que presupones
hará brotar en ti mundos diversos,
y al resonar tus números dispersos
pitagoriza en tus constelaciones.
Escucha la retórica divina
del pájaro, del aire y la nocturna
irradiación geométrica adivina;
mata la indiferencia taciturna
y engarza perla y perla cristalina
en donde la verdad vuelca su urna.


Emily Dickinson

Mucha locura es la mas divina sensatez
Para un ojo sagaz
Mucha sensatez .-es la mas absoluta locura-.
La mayoría
En esto, como en Todo, prevalece
Asiente .-y estarás cuerdo-.
Objeta .-e inmediatamente eres peligroso-.
Y seras encadenado.

Heine Jones, árbol y palabra

Encargados por las autoridades de la localidad de Footscray en Australia a la diseñadora Heine Jones , los cubres alcorques forjados con perforaciones, de palabras o poesías que hacen referencias a los arboles que protege. Representa una solución interpretativa que describe la función y la intención de los arboles como parte de un paisaje urbano. Cortados con láser, las placas de acero de 10 mm de espesor, se presenta en diferentes escalas e idiomas, los poemas urbanos son palabras grandes que forman fragmentos abstractos que concitan la atención del transeúnte, enriqueciendo la experiencia con el paisaje urbano. La intención del diseño es enganchar al público en una forma emotiva y legible a través de la palabra y el objeto que describe.