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Luzinterruptus realiza Literatura vs Tráfico, un río de libros y vida en Utrecht


Tras casi dos años desde que forma abrupta se cesó prácticamente toda la actividad, como consecuencia de la alerta sanitaria decretada debido a la aparición y posterior expansión del virus Sars-Cov2 Covid 19. Una mayoría de creativos independientemente de su ámbito de actividad seguían instalados en la incertidumbre.

Un panorama cuando menos desalentador para el que nadie parecía tener una solucion, por lo que cuando se comenzó a vislumbrar la luz al final del tunel. Algo que se empezó a percibir sobre todo en los magazines digitales se comenzaron a publicar, aunque de forma timida.

Algunos artículos cuyos contenidos aunque hacían referencia a proyectos muy prematuros y que transmitían la impresion, de que estábamos instalados en una primera fase de arranque. Momentos dubitativos y complejos que sin embargo estudios como el de nuestros admirados colectivo Luzinterruptus parecía que había solventado con  cierta elegancia.

Aunque no se trataba de las grandes intervenciones con las que nos maravillaban durante la etapa prepandemia, si era gratificante como esta firma veterana (y ampliamente cubierta en NQ). Había conseguido superar el corte impuesto por el periodo de pandemia. En cuyo transcurso (aunque todavía no se han publicado cifras oficiales), muchas propuestas se habían visto abocadas a abandonar definitivamente su carrera artistica.

Algo que afortunadamente no ha sucedido con estos pioneros del arte urbano y el Land Art lumínico (por llamarlo de esta manera un tanto suigeneris), con más de una década de intenso trabajo. Cuya propuesta singular ha supuesto sino una revolución en toda regla, si la introducción de un elemento como el de la iluminacion.

Que ha supuesto que a lo largo de este intervalo de tiempo y paralelamente, hayan han aparecido una batería de creadores y estudios de una diversidad de ámbitos artisticos. Que han adoptado su óptica y praxis por lo que sin ninguna duda si han supoesto una notable influencia.   
       
Una de las miles de personas que se acercaron a curiosear en los más 11000 libros recogidos

Entre los escasos encargos que todavía reciben hasta el momento, si cabe destacar uno de los últimos publicados. Una intervención realizada a gran escala (como antaño), y que tuvo como escenario una de las principales vías de la ciudad belga de Utrecht.

Titulada Literatura vs Tráfico. Se trataba de un río de vída y luz que si tu la contemplas desde lejos lo primero que se te venia a la cabeza es una larga lengua, que bien podría ser la que emana desde lo profundo de un volcan. Elaborada con algunos de los elementos ya característicos a lo largo de estos años en la carrera de Luzinterruptus.

En el caso de la alfombra que cubría una longitud de cientos de metros, los ingredientes principales era miles de libros, los cuales fueron recogidos por voluntarios a lo largo de los meses precedentes. A lo que se añadió cientos de diodos LED, un elemento que ya forma de su repertorio tradicional.

Aunque su presencia fue efimera durando tan sólo un día Literatura vs Tráfico, logró transformar de forma radical los usos y costumbre. De un espacio habitualmente dominado por el vehículo privado.

Pero que no por ser conocido no deja de ser efectista a pesar de que no deja de ser un recurso a través de Luzinterruptus, simboliza su compromiso con la comunicación y el diálogo en el espacio publico. Además de la cultura como vertebrador social. Realizada en el marcó del Festival Internacional de Literatura de Utecht


La última versión de su intervención Literatura vs Tráfico no presentaba ninguna modificación sustancial respecto a otras ocasiones, ni en lo estético, ni mucho menos en lo conceptual. Pues se sigue abordando el dilema y aspiración de desear que los libros sustituyan a los coches como dominador en el espacio publico.


De esta forma y aunque sólo sea por unas pocas jornadas un espacio urbano reservado convencionalmente a la presencia exclusiva del vehículo privado. Se transforma en un escenario radicalmente opuesto, pasando de la denominación del ruido y la contaminación al sosiego y la convivencia. 

Durante la jornada diurna los miles de volúmenes del caudal libros apenas tuvieron visitantes


Como en anteriores citas la iluminación en el interior de libros actúa como gancho, para que aquellos que se acerquen tras hojearlos puedan llevárselos a su domicilio. Lo que cumple con el siguiente objetivo de la actuación, que consiste en que se complete un viaje de ida y vuelta. 

Por lo que muchos volúmenes hasta ahora tirados y huérfanos sobre el asfalto tengan una segunda oportunidad, a la espera de que los vehículos acaben parásitando de nuevo el paisaje urbano. En total se emplearon diez días en alfombrar la totalidad de la calle.

Operaciones que se gestionaron desde un cuartel general priveligiado y sin duda coherente, como es la flamante nueva biblioteca de Bieb Neude inaugurada hace apenas 3 años, el 13 de marzo de 2020. Las instalaciones que ocupa la biblioteca fueron con anterioridad la principal oficina de correos de la ciudad.

Interior abovedado de la sala principal de la biblioteca de Utrecht llamada Bieb Neude por su pasada actividad como estafeta de correos

El proyecto de diseño de la renovación fue encargada al arquitecto Van Rijnboutt, salvo el interior de la biblioteca que fue diseñado por Zecc Architecten. La renovación de la biblioteca actuó en total sobre una superficie de 8000 metros cuadrados de superficie, lo que proporciona una ligera idea de su monumontalidad.

Como en otras ocasiones precedentes el objetivo de la intervención Literatura vs Tráfico, tenía por objetivo reformular la acrividad dentro del espacio publico, transformando su entorno estetico.

Grandiosidad que cobra todo su esplendor cuando accedes a su sala principal de lectura principal, llamada El Monumento Nacional. Se trata de una descomunal bóveda que alberga cientos de estanterias, donde hay colocados decenas de miles de libros.


La remodelación del edificio que contaba con una antigüedad de casi 100 años de antigüedad, ha supuesto recuperar no solamente un edificio como equipamiento cultural de uso público. Sino que se ha conseguido conectar diferentes areas de la ciudad y ampliar el entorno.    

Contenido gráfico: Montaña Pulido 


Thierry Mandon, surrealismo entre lo público y lo privado



Tomar el almuerzo con la consiguiente siesta, ver tu programa favorito en la televisión, preparar el baño para sumergirte entre las aguas desde las que emergen cientos de miles de pompas de jabón. 


O probarte delante del espejo las últimas prendas que estimas (que de forma más o menos afortunada) marcarán tendencia la próxima temporada. Son en resumidas cuentas y a groso modo actividades que forman parte de nuestro ámbito privado. 


Por lo tanto procuramos como individuos discretos y pudorosos no compartirlas más allá de nuestro círculo más próximo de amistades, y siempre que se puede con las más absoluta discreción posible. Algo que instalados como estamos en plena era de la biotecnología y las telecomunicaciones. 


Donde el valor de un smartphone de última generación, reside en su capacidad y rendimiento multimedia es prácticamente una misión herculea sino imposible perservar nuestra intimidad sin sacrificar una determinante cuota de nuestra vida social. Habiéndose llegado con el paso del tiempo a un acuerdo de mínimos. 


Por el que como individuos celosos de nuestra privacidad renunciamos a parte de nuestra intimidad, a cambio de alimentar nuestra vanidad y ego. Algo que hacemos fundamentalmente a traves de exponernos en las redes sociales en las que no exhibibimos en ocasiones renunciando a nuestro pudor y sin criterio objetivo. 

A modo de cuadro sobre la pared desnuda Thierry nos interroga sobre nuestro concepto de intimidad 

Esta situación se incentiva además si existe la posibilidad de obtener un retorno económico, entonces ya cualquier prejuicio latente sobre nuestro derecho a la intimidad practicamente se diluye, ante la expectativa de obtener más o menos beneficios. 


Plusvalías que en buena parte de las ocasiones son poco más o menos que decepcionantes, no llegando a satisfacer el mas mínimo de nuestros codiciados objetivos de notoriedad. Decepción que lejos de disuadirnos suele alentarnos para que en sucesivas ocasiones, nos abramos en canal ante una audiencia que reclama de forma voraz.


Mas contenido relacionado con la narrativa que hemos ido construyendo y ofreciendo a nuestros cada vez más numerosos seguidores, que nos reclaman, nos sugieren, nos motivan y en muchas de forma caprichosa y arbitraria nos desbordan. 


Cómo si fuera un funambulista el artista Thierry Maldon realiza performances en las que escenifa escenas familiares diluyendo los límites entre lo público y lo privado. 


Creando situaciones en ocasiones que pueden llegar a comprometernos y resultar realmente embarazosas, algo que supone un dasaafio en la mayoría de los casos hasta el extremo que perdemos la noción de la realidad. Ya  que no sólo no tiene consecuencias sobre nuestra esfera privada. 


Sino que lo que conocíamos como realidad hasta hace relativamente poco tiempo se difumina en un marasmo de unos y ceros, elementos básicos a partir de los que se construye la era digital, en la que nosotros como individuos mutamos nuestra identidad. 


Utilizando un lenguaje en síntesis y práctica más profano y cercano a una estética netamente barroca así como austeras en su ejecución. El artista Thierry Mando con sede en la localidad francesa de Ardeche


Las performances de Thierry actúan sobre los sentidos relacionados con la memoria y la esfera de lo privado

Realiza intervenciones utilizando ese espacio digamos neutro que camina furtivamente entre lo exogeno y lo exogeno, como por ejemplo puede ser el muro de carga de un edificio. A través de las que escenifica escena familiares, en las que aplicando técnicas que mezcla el arte urbano y la performance ofrece a los espectadores casuales escenas hogareñas creando un vínculo instantáneo. 


Con el espectador que apenas puede salir de su asombro cuando camina por la calle y tras alzar su mirada contempla a Thierry encamado y leyendo placidamente un libro. Hecho trivial que por si solo no debería llamar la atención de ningún transeúnte. 


Pero que cobra un inusitado interés cuando el contexto en el que se desarrolla la escena se sale de lo habitual y doméstico. Debido a que el que espera a que le encuentre el sueño de Morfeo tendido en un jergon, está suspendido a una considerable altura ajeno a lo que sucede a pocos metros a ras de suelo. 


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Encaramado casi siempre en una cornisa que uno deduce que antaño compartía con otra vivienda contigua. Visión casi surrealista de una persona que recupera (no sin cierta osadía) la memoria de un espacio y su uso. 


Realizadas en un periodo de tiempo que cubren los últimos veinte años, se trata de propuestas donde se cuestiona el concepto de arquetipo en relación a su espacio preasignado, vulnerando este código social muchas veces rigido hasta lo absurdo cuando se debate sobre las mitaciones entre lo público y lo privado. 


Este dilema público/privado se acentúa aún más si cabe en aquellas propuestas donde el espacio pierde su horizontalidad como en inside Outside de 2015 que es sucesora de Tableau Vivant de 2008, donde está dualidad se representa visualmente de forma casi plástica. Cómo casi se tratara de cuadros colgados de una pared expuestos para que cualquiera los pueda admirar. Creando un sustrato donde la ficción se confunde con lo doméstico y viceversa. 





El artista Daniel Potter encarna en diosas mitológicas mensajes ecologistas

 


A todos los que nos apasiona explorar el paisaje urbano a la búsqueda de nuevas muestras  de expresión, ya sean realizadas por firmas consagradas o las realizadas de forma furtiva por entidades anónimas. 


Somos conscientes de que estamos contemplando algo que independientemente de sus motivaciones y el contexto en el que ha sido creado, es un accidente creatvo cuya vigencia se puede considerar casi efimera. 


Pues entre las condiciones con las que hay que lidiar cuando se interviene en el espacio público. Es que aunque este espacio por lo común presente elementos fijos como el mobiliario urbano, por lo general con el transcurso del tiempo. 


Sus intervenciones suelen estar sometidas a modificaciones, cuyas causas pueden estar condicionadas por una diversidad y amplio abanico de factores. Causas que están relacionadas con un estrés urbano, el que modifican en mayor o menor medida los entornos urbanos, que se comprortan por lo general como sustratos que conforman continentes más o menos volatiles, dinámica que en algún momento afectará a la obra urbana. 

La fecundidad de la madre tierra atesora en Thrive un mensaje ecologista 

Cuya flexibidad puede obedecer a criterios como la economía, la movilidad, el ocio, la formación u otros de índole social. Contingencia qué afecta directamente a todos/as aquellos/as que optan por expresarse en la calle. 


Cómo en todo ámbito existen excepciones, pero son referencias que se puedan contar con los dedos de una mano. Uno de estos afortunados es el artista sudafricano Daniel Popper, artista que se ha hecho un nombre como escultor. 


Hechas a gran escala generalmente para ser exhibidas de forma temporal en eventos como festivales al aire libre, las esculturas de Daniel Popper elevan el compromiso con el medio/ambiente proyectando una imagen maternal. 


Siendo aclamado por sus masivas instalaciones de arte público en festivales como el festival Electric Forest en los EE.UU., Boom Festival en Portugal, Rainbow Serpent festival en Australia, así como Afrikaburn en el Tankwa Karoo en Sudáfrica.


Muchos de sus proyectos incluyen colaboraciones con otros artistas y artesanos, con el objetivo de realzar la propuesta a través de la incorporación de música electrónica, iluminación LED o proyección de mapeos como componentes clave. Creando trabajos en principio temporales y permanentes en espacios públicos.

Las figuras hechas con materiales biodegradable se inspiran en deidades muchas de africanas

El primero de los que citaremos será Refletions/Reflexiones de 2013 encargada por el Parque Nacional Tankwa Karoo, se trata de una instalación de tres niveles, hecha con una estructura mezcla de madera y acero. En el interior la intención de crear un campo de colores utilizando luces brillantes en diferentes tonalidades, pintando cada pieza de madera en consonancia, generando una atmósfera recogida y contemplativa.


En otras los retratos escultóricos cobran un significado étnico totemico, a esta linea se pueden ciurcuncribir piezas como la meditativa Asana. Expuesta  a la entrada al área del pabellón principal del festival anual Art With Me en Tulum México. Daniel se inspiro en mi pose de yoga favorita conocida como Urdhva Mukha Svanasana. La escultura simboliza la naturaleza en su plenitud, abriendo su pecho al océano mientras toma una gran inhalación. 



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Para el mismo evento pero el año anterior se pudo ver Come into light/Ven a la Luz. Como en otras ocasiones la gran escala de los más de diez metros de la efigie fue realizada a partir de un armazón de acero, cubierto por listados de madera y cuerda. Su intención era crear conciencia sobre el frágil patrimonio ecológico sensible del departamento mexicano de Tulum. La pieza simboliza nuestra profunda conexión con la naturaleza y con nosotros mismos en una comunión y compromiso con nuestro entorno. 


Ultimante Daniel incorpora o mejor sustituye las vísceras propias del ser humano sustituyendolas por material orgánico de origen vegetal, que emergiendo desde el interior de la escultura crea la sensación de estar en un lugar protegido. De esta naturaleza son Leto que se pudo en el The Eternal Festival que se celebró en Mykonos Greece, la  pieza con refrencia a la mítica historia de Leto, la madre de Artimisa y Apolo. Adoptando un gesto magnánimo y conciliador. 


O como la monumental Thrive, escultura que fue presentada a finales de 2020, la primera realizada que no es temporal para la Ciudad del Cabo donde Daniel Popper tiene su sede. De la figura de carácter femenina, presenta una altura de casi treinta metros de altura y catorce tonaladas de peso. Su busto resplandece como si fuera una luz que te guia hacia ella. Un bosque compuesto por matorral arbustos de mediana altura donde te sientes como si estuvieras en un santuario natural aislado del mundanal ruido que está a escasos metros de allí, creando un reducto donde sentirse en paz.


Cultura hoy, futuro mañana. Un año después su mensaje sigue vigente

 


Este año de 2021 al cual le queda por dar sus últimos coletazos, ha estado plagado de desafios. Ha sido el año en que términos como adaptación, resiliencia, flexibilidad, han sido los acordes de una composición cuyos ecos han resonado.

 

Cómo si fueran mantras que hubiera que aprenderse de memoria, si se quería prosperar en un paisaje presidido por la incertidumbre. En este contexto hemos asistido a la paulatina reactivation de todos y cada uno de los sectores socioeconomicos.

 

 

Que debido a la diversidad de políticas y baterías de medidas adoptadas  con el objetivo de paliar los efectos de la pandemia, quedaron en mayor o menor grado lastrados tanto en términos productivos como laborales.

 

Siendo uno de los ámbitos más afectados aquellos que comprenden cualquier actividad que esté vinculada con aquellos procesos creativos, intelectuales o de índole netamente cultural. Ya sean las editoriales, las promotoras de conciertos, las galerías de arte o los festivales de arte urbano.

Detalle de la pancarta en el momento de ser colgada en la Casa Encendida

Entre otras muchas formas de manifestación socio/cultural. Viéndose obligadas a afrontar enormes retos de reestructuracion. Asumiendo consecuencias cuyos sacrificios, tanto a nivel económico como sociolaboral se tardará todavía mucho tiempo en evaluar y consiguientemente subsanar,

 

Por lo tanto habrá que contemplar políticas. Que fomenten el consumo de productos relacionados con algo tan inherente a nuestra condición como seres humanos y como personas civilizadas como es la cultura. Sin cuya presencia desde los albores de los tiempos no hubiéramos alcanzado nunca los estándares de progreso de los que gozamos en buena parte del mundo en la actualidad.


Realizada en 2020, la intervención titulada Cultura hoy, futuro mañana, de la ilustradora Anastasia Bengoechea, reclama la legitimidad de la protección jurídica hacia el mundo de la cultura en tiempos de pandemia. 


En este contexto y con el objetivo de establecer un entorno de comunicación mediante el que concienciar al resto de la sociedad sobre las cuantiosas perdidas económicas producidas en el sector de la industria cultural. Traducidas  en términos tangenciales  en el incremento de decenas de decenas de miles de desempleados y miles de negocios cerrados.

 

Han aflorado multitud de iniciativas cuyas actividades han estado dirigidas a la opinión pública. Entre este marasmo de creatividad altruista y solidaria a mi me siguen impresionado la intervención que la ilustradora Anastasia Bengoechea llevo a cabo en la fachada del Centro Cultura de la Casa Encendida de Madrid.

Diferentes bocetos con ideas a partir de los que trabajo la autora

Presentada por estas fechas hace un año, la autora responsable de la ilustracion de volúmenes como Monstruo Spaguetti, o Chicas internet (entre otros titulos). Apuesta en esta ocasión por el minimalismo más absoluto en términos esteticos, para dejar patente la carestía de medios y de financiación por la que pasa un sector tan estratégico y vital como es el de la cultura.

 

De cuya fecundidad depende la prosperidad de cientos miles de familias en España. Titulada Cultura hoy, futuro mañana, la campaña que fue apoyada por diferentes entidades y colectivos se completaba con el reparto de documentación destinada a la ciudadanía. Donde se argumentaba las razones por las que es imprescindible crear un entorno jurídico laboral que garantice a los autores, creadoras y organizadores de eventos unos instrumentos que les proteja en situaciones de desamparo como la de esta pandemia que todavía no ha finalizado.

 

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Realizada en blanco y negro, el eslogan que se representaba en el cartel que se extendía a ambos lados de la fachada principal del centro cultural, simbolizaba la constatacion de que cada vez mas ciudadanos valoramos la actividad cultural, como un pilar básico y estratégico cuya productividad económica beneficia al conjunto de la sociedad. 



798 District Art, visita al centro de arte más grande del mundo

 


Caminando por los callejones entre muestras de arte urbano compuestas por esculturas y murales que transmiten una imagen un tanto trivial y folklorica del complejo museistico. Piezas que ubicadas en los accesos que dan paso a viejos edificios de corte industrial remodelados para albergar muestras de todo tipo y talleres de arte. 


Testigos mudos de una época en que en está enorme superficie de 600.000 metros cuadrados situada al norte de Beijing en la que actualidad tienen su estudio una variedad de artistas, así como de artesanos. Nadie pensaría que esta caminando por lo que no hace mucho tiempo fue una de las más áreas industriales más productivas del mundo. Naves industriales que comparten espacio con otros equipamientos donde todavía se conservan muchos elementos con denominación de origen de la Bauhaus


Detalles que se observan sobre todo en las fachadas, tras las cuales a lo largo del último medio siglo, se ha ido desarollando la mayor incubadora creativa nunca contemplada por el ser humano a lo largo de su historia. Cuesta imaginar que a principios del sigo XX en donde ahora se organizan Exhibiciónes, donde en la actualidad los protagonistas son luminarias del mundo del arte. 


Tanto locales como foráneas se producía a destajo en la gran refineria (de la que todavía se puede visitar buena parte de sus instalaciones), todo tipos de gases licuados que posteriormente se distribuían desde la estación de mercancías. En cuyos andenes todavía se encuentran multitud de trenes y locomotoras que se  han convertido en uno de los lugares más fotografiados por los cientos de miles de turistas que cada temporada la visitan. 

Una de las muchas esculturas que se pueden descubrir en el distrito 798, donde el rojo es omnipresente

Y es que en el flamente 798 District Art, un descomunal espacio donde tiene cabida todo tipo de manifestaciones artisticas, desde las mas formales a las mas vanguardistas. Siendo en su conjunto la máxima representación de la política cultural, de lo que a día de hoy es el mayor sistema institucionalizado y planificado económicamente del mundo. 


Todo resulta por momentos abrumador a la vez que pintoresco,  lugar inabordable en un solo un día de visita. Conocido hasta la década de los cincuenta como Dashanzi Factory, época en las que las autoridades del gigante chino destinaron parte de las guarniciones militares, actividad que cesó en el transcurso de la década de los años 80's.


Ocupando una superficie equivalente a la que posee muchas grandes ciudades del mundo, 798 District Art en Beijing, es un lugar donde tanto las vanguardias artisticas como el arte urbano, conviven con un legado industrial y social que te permite contemplar como China ha evolucionado hacia el futuro sin renunciar a su identidad.


Cuando Huang Rui uno de los artistas más iconicos que ha dado China, puso en funcionamiento los primeros talleres que ocupados principalmente por artesanos, se convertirían en la simiente de lo que sería, ya entrados la década siguiente. Cuando se constituiría oficialmente como lo que en la actualidad el organismo institucional en términos culturales en desarrollo más grande del mundo. 


Al cual periódicamente se le añade pabellones más grandes e innovadores, cuyos contenidos están dedicados exclusvamenta a explorar una nueva tendencia emergente en términos de arte. Algo que es muy de agradecer en un país donde por ejemplo es imposible ver una intervención arte urbano en el espacio público sin permiso expreso de la administración. 

Los pabellones de exhibición y las zonas comerciales estan conectadas a través de vías peatonales

Actividad esporádica que se consuma tras completar el trámite administrativo de turno. Y de la que en 798 District Art se pueden contemplar cientos de ellas, mientras te puedes tomar un café o degustar una variedad de platos que te sirven en uno de los muchos establecimientos hosteleros. 


Que compartiendo espacio comercial con galerías de arte y tiendas de artesanía representan un modelo socio/económico y cultural, que difícilmente se podria imaginar, que podía ser creado en un país donde cualquier tipo de iniciativa tiene que pasar por el filtro burocrático. Establecido por un gubierno cuya legislación emana de las decisiones y la óptica de un solo partido que representa al pueblo. 


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Forma de proceder que se diluye no sólo estéticamente sino socialmente en 798 District Art, donde el visitante puede llegar a experimentar la sensación de que se encuentra dentro del perímetro de un parque temático Occidental, ya que incluso la presencia militar que en otros distritos de la capital China es notable, aqui es prácticamente es inexistente.



Habiendo sido sustituido por un ambiente distendido donde el urbanismo accesible facilita la movilidad de miles de bicicletas, y también porque no decirlo de los numerosos coches de alta gama que se ven estacionados en algunos de los muchos parking con los que cuenta este peculiar distrito. Que pretende convertirse en el buque insignia de la actividad cultural del gigante chino. 

Saype tiende puentes de comunicación a través del Arte Urbano

Hasta los gestos afectivos más simples realizados en el instante y contexto adecuados suelen ser los detonantes de las mas bellas manifestaciones artisticas. Además en ocasiones estos sencillos a la vez que cotidianos gestos cuando se producen en situaciones extremas. 


Cómo puede ser a nivel personal una ruptura sentimental o como consecuencia de un conflicto. Aparte de recibir otro valor se perciben, de otra forma, otorgándoles propiedades casi extraordinarias. Ya sea un sencillo apretón de manos o un caluroso abrazo recibido cuando sobre todo se dán circunstancias digamos anómalas y casi siempre de consideración grave.


Pueden modificar sustancialmente el estado del sujeto que ya sea de forma testimonial o cómo receptor directo de ese gesto o contacto casual. Situacion en la cual la empatia hacia el otro se convierte en una necesidad cuando los factores en tu entorno más próximo se vuelven realmente adversos.  


Generando en el individuo la nacesidad de compartirlo con el resto en un intento de comunión a través de algún proceso creativo. Por el que trata de transmitir un sentimiento de fraternidad. Con el que de forma altruista trata de crear conciencia y solidaridad respecto a una causa en concreto. 


Tendidas a los pies de la Torre Eiffiel unas manos entrelazadas se extienden como parte del monumento situado al fondo

Nominado en el año 2019 como una de las personas más influyentes por la revista Forbes, el artista autodidacta Saype, experimento en 2012 un momento epifanico cuando en el transcurso de los acontecimientos que se produjeron como consecuencia de lo que ya ha pasado a la historia como la Primavera Arabe


Fue testigo de cómo una de las muchas enfermeras de las que se manifestaban en las calles de algunas de las ciudades más importantes, desafiaba a las autoridades pidiendo justicia. Escena que se quedó grabada en su retina y que con el tiempo plasmó en diferentes intervenciones en blanco y negro. 


Las manos entrelazadas de Beyond Walls que forman parte de un proyecto de arte urbano global, con el que su autor Saype nos quiere trasladar un mensaje donde los perjuicios y los recelos hacia el diferente se diluyen ante el gesto de un abrazo. 


Que de forma casi furtiva representaba una sociedad tumultuosa sometida a cambios constantes. Experiencia que le sirvió para acumular conocimientos relacionados con las técnicas del arte urbano. A partir de las que desarrollo la suya propia consistente en aplicar una solución 100% biodegradable. 


Con la que comenzo a realizar actuaciones en la que la escala de lo representado aumentaba considerablemente en cada ocasión. Grandes murales que podían realizarse sobre casi cualquier tipo de superficie y con los que Saype se suma a una selecta lista de artistas encabezados por el artista francés JR.

En la ciudad de Estambul las manos sobre el río Bosforo son una metáfora de un puente

De cuya estética es cuando menos participe, afinidad en criterios no sólo estilísticos sino que se observa sobre todo en terminos de activismo y de compromiso social, algo que se percibe más si cabe en el proyecto de más embargadora en el que se ha embarcado hasta el momento. 


Proyecto nómada titulado Beyond Walls en el que el símbolo afectivo/emocional a traves del que trata de establecer un nexo con el espectador es la figura formada por dos brazos entrelazados, una imagen cuya trascendencia por su sencillez y connotaciones puede causar un fuerte impacto en el espectador. 


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Ya sea tendida a los pies de la Torre Effiel, flotando sobre el caudal de rio Bosforo en Estambul o en una parcela de césped en uno de los muchos jardines de Berlín, la unión de las dos manos entrelazadas se convierte un ideal. Donde se tiende un puente por el que tanto la humanidad como la esperanza, en algún momento, al cruzarlo en sentidos opuestos. En algun punto equidistante, de ese puente tendido sobre un río, cuyas aguas se deslizan llevadas por la memoria y el olvido, deben encontrarse en un abrazo. 


Los objetos y edificios envueltos en plata de Piotr Janowski convierten la memoria en arte


Con ligeros matices que tienen que ver principalmente con el tratamiento de las escalas, las intervenciones del artista conceptual Christo,  ha provocado después de su fallecimiento que florecieran una variedad de propuestas artísticas. 


Que aplicando su archiconocida técnica consistente en camuflar todo tipo de objetos envolviendolos, aunque principalmente se hizo mundialmente por camuflar con inmensas lonas las cuales podían abarcar miles de metros cuadrados de superficie, las más inverosimiles estructuras arquitectónicas y monumentos. 


Actividad por la que en numerosas ocasiones suscitó una polémica que el se resistía a alimentar,  siendo las más enconadas aquellas que se posicionan cuestionando a partir de aportar los más variados argumentos, el valor estético de unas actuaciones que podrían acarrear secuelas en los edificios que envuelve. 


Argumentos que carecen de fundamento porque las instalaciones de Christo partían de un enfoque efímero del arte, y por lo tanto las customizations camufladas que desarrollo a lo largo de su trayectoria, tenían por objeto uniformar desde una óptica teatral creando  diferentes escenarios camuflados. 

Edificio envuelto con papel de aluminio en el barrio de Praga en Varsovia

Uno de sus alumnos más aventajados y herederos quizás sea el artista polaco Piotr Janowski, que tras pasar toda su infancia y buena parte de su juventud en la ciudad portuaria Gdanz donde se llega a licenciar en bellas artes. 


Se tralada a los Estados Unidos, donde tras residir en varias ciudades se afinca finalmente en una casa de la localidad de Tarpon Springs perteniente al estado de Florida. Casa unfamiliar típica americana, que se convierte en su primera estructura envuelta íntegramente, y con la que el autor tratar de reinvidicar el valor de las cosas y su memoria. 


Aunque inmediatamente evocan en la memoria las intervenciones del artista Christo, los edificios envueltos en papel plateado de Piotr Janowski reflexionan sobre aquellas cosas que solemos dejarnos en el olvido a través de convertirlas en monumentos. 


Para su segunda intervención conserva la misma sintonia estética, de nuevo en territorio polaco el hijo prodijo actúa sobre un viejo edificio construido en 1870, y que en ese mismo instante está siendo habitado por un techo, persona que se suma a un proyecto que se alarga varios meses. 


Dando como resultado la costumizacion que bajo el título de Ząbkowska 9, Take off!, pretende condensar los diferentes periódicos históricos por lo que ha pasado  y sus diferentes usos, habiendo sido testigo en el barrio de Praga en Varsovia de las catastróficas consecuencias provocadas por la II Guerra Mundial y del periodo posterior protagonizado por la ocupación por parte de la Union Sovietica. 

Locomotora a partir de la que Piotr realizó una de las esculturas más visitadas de Gdanz

Paralelamente a los proyectos a los que podíamos englobar dentro del grupo de obras cuyo nexo es que aparte de recurrir a la técnica de camuflaje, y de los cuales (quizás el más notable sea), el que el artista realiza escogiendo como escenario la estación de ferrocarril de la ciudad que le vio nacer. 


Donde escoge una locomotora que abandonada yace en una vía muerta, imagen que causa un fuerte impacto en el artista, simbolizando a su juicio una falta de memoria histórica. Por lo que decide rescatarla convirtiéndola en un monumento con el cual trata de recuperar el vínculo de la comunidad con su pasado. 


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Piotr crea una diversidad de obras cuyos rasgos obedecen a diferentes formatos, pero cuyo eje narrativo está guiado, por el concepto de la memoria, o mejor de la facilidad con las que olvidamos las causas por las que estamos en determinado contexto o sometidos a situaciones cuyos desafios se nos antojan difíciles de resolver. 


A esta linea de trabajo pertenece una de sus últimas obras. Titulada Don't give up world, la obra cyuo detonante ha sido la actual crisis sanitaria provacada por el Covid/19, nos describe las verdaderas causas detrás de la aparición y expansión del virus, las cuales nos remiten al deterioro que está sufriendo el planeta Tierra.