Marcos Saboya y Gualter Pupo/aMAZEme, un laberinto de libros



En ocasiones el adentrarse en las historias que se relatan en algunos libros, supone iniciar una experiencia que puede transformar su percepción sobre el mundo con el que te relacionas. En otras ocasiones ese efecto catártico es sustituido por la contrariedad y la desorientacion que te produce el texto que lees. 

Como si las paginas fueran las galerías de un laberinto, que recorres tratando de encontrar una salida. Creada por los artistas Marcos Saboya y Gualter Pupo la instalación titulada aMAZEme, ha precisado de la donación de hasta 250.000 libros, la mayoria usados.

Con los que se han construido las paredes de un laberinto en forma de espiral que ocupa un total de 500 metros cuadrados de superficie. Una extensión de terreno nada desdeñable, y que ha supuesto largos meses de planificación e intenso trabajo. 

Expuesta en Southbank Centre de Londres, la muestra forma parte de los eventos culturales organizados para el London 2012 Festival, pudiéndose visitar hasta el 26 de Agosto. aMAZEme es un intervención inspirada en la cita del escritor Jorge Luis Borges "Siempre me he imaginado que el paraíso será una especie de biblioteca."

Al entrar en la instalación, el público descubre nuevas texturas, imágenes y emociones, quedando hipnotizado por medio de palabras y pensamientos, diseños y patrones. Parece que hay secretos que se esconden en las paredes de la instalación.

Paredes que alcanzan una altura de hasta 2,5 metros de altura. Construidos a partir de miles de libros, que forman un gran laberinto. La construcción del dedalo así como la participación del público han sido filmada por cámaras de vídeo y enviado a aMAZEme. 

Así como a las redes sociales. Desde el comienzo deseaban que la experiencia fuera lo más inmersiva posible. Siendo conducida por una narrativa que combinará el juego y lo ludicoLas pantallas táctiles instaladas buscan información y contenidos en la pantalla, que también se muestra en los monitores situados a lo largo de la instalación. 


 

Gerry Barry/Anillos de agua y fuego cumpliendo con el ciclo Solar


El agua es un elemento clave tanto en términos creativos como conceptuales en la obra de Gerry Barry. Asociada con la pureza y fuente de la vida, Barry a menudo crea piezas sobre el lecho de un río o un lago.

O en las proximidades de algún manantial, dependiendo de las propiedades de los materiales que emplea, para crear formas circulares. A través de los que simboliza el ciclo infinito propio de cualquier criatura que habita en el bosque. 

Cuidadosamente seleccionados los cantos rodados y piedras de diferentes tamaños y calibre se disponen siguiendo la forma curvilenea, más o menos de un circulo. Que siempre orientado hacia el Sol le rinde pleitesia.


Emplazados casi siempre en un las proximidades de la costa. Las mareas inundan de forma lenta pero inexorable las instalaciones, revelando formas caprichosas sobre el terreno. 

Transformando estéticamente la propuesta en un acto espontáneo de renovacion efecto de la interacción con el medio. Las intervenciones en este contexto se mimetizan con el paisaje, completandose un ciclo que se repite una y otra vez.

Provocando que el paisaje circundante se renueve a partir de actuar desde un enfoque creativo. Patrones circulares y valles poco profundos se excavan en el anillo como un molde que posteriormente ser cobijo para algún animalillo. 


Debido a que muchas de sus obras están destinadas a ser efimeras, se las deja a merced de los elementos, en descomposición y envejecimiento de forma natural. Dependiendo de la intensidad con la que sopla el viento, el agua y el sol. 


Al igual que los principios del movimiento de la tierra, las instalaciones están destinadas a convivir con los elementos de la naturaleza, que son en sí una obra siempre cambiante. Las instalaciones Gerry Berry de esta forma cumplen con la ley de armonía que se observa en la naturaleza.

Gerry Barry nació en el pueblo irlandés de Castlegregory. Interesándose por el  Land-Art ya desde su juventud. Ámbito creativo que utiliza para establecer un diálogo no invasivo con su entorno natural. Muchas de sus piezas aun pueden visitarse, aunque en la mayoría de los casos se percibe de forma evidente el desgaste y erosión que produce su relación con su entorno.


Kevin Erickson/Rope Pavilion, un refugio para combatir el frío del crudo invierno


A su paso por localidad de Winnipeg de Canadá, el río Assiniboine se hiela formándose un pista de patinaje, considerada la mas larga del mundo. Esta condición la convierte en un lugar de peregrinación.

Para cerca de cuatro millones de visitantes por temporada que se acercan para disfrutar del patinaje en unas condiciones excelentes. Coincidiendo con la temporada de invierno se celebra un curioso concurso de refugios para alta montaña.

El Warming Huts: An Art + Architecture Competition, en el que participan principalmente estudiantes de escuelas de arquitectura de todo el mundo. En la edición de este año se ha alzádo como ganador el proyecto llamad Rope Pavillion

Propuesta firmada por Kevin Erickson antes de se instalado a orillas del rió Assinibone. Fue exhibido en el NEXT LANDMARK Floornature International Contest lo que valió el pasaporte para ganar en su categoría por lo que sera exhibido en la XIII Architecture Biennale in Venice que arranca el 29 de Agosto.


Se trata de un edificio que combina materiales simples como la madera. El pabellón crea una forma altamente versátil a pesar de lo limitado de su espacio. Reforzado con sojas de cuerda elaboradas con unmanila, que sirven para sujetar la estructura hecha con abedul.


Construyendo un refugio de apariencia frágil pero sólido en su comportamiento en situaciones adversas, conservando el calor en el interior y soportando las fuertes rachas de viento que se producen en invierno. 

El interior de madera crea una sensación de calidez a través del color y la textura, mientras que su exterior es capaz de acumular varias capas de nieve La cúpula de la cabaña debido a su forma optimiza la retención de calor. Propiedad que bajo la influencia de condiciones climáticas extremas es muy de agradecer.



David Lance - The Future Forms Of Life, el sueño de la forma en un futuro distopico


Las instlaciones cinéticas dotadas de movimiento del artista Theo Jansen tienen algo de cautivador y mágico, para el que las contempla. 


Sus movimientos acompasados poseen el ritmo de una coreografía, en la que cada pieza del autómata representa un gesto que se tiene que producir de forma sincronizada, el cual se repetirá infinitas veces. Basándose en los principios aerodinámicos de Theo, el animador y modelador David Lance.

Ha recreado en escenarios reales extraídos de la capital londinense,  a una criatura que experimenta una metamorfosis orinica, en paisajes urbanos cargados de electricidad. Cuya atmósfera surrealista nos traslada a un mundo interior en el que los elementos que los pueblan nos hipnotizan.  


En el cortometraje titulado The Future Forms of Life El cual podéis ver AQUI. Una fabula post/industrial, en la que el autor reflexiona sobre la conveniencia o no de que algunos sueños se puedan cumplir. Pues su resultados pueden ser realmente desagradables.


En su realización Lance ha utilizado aplicaciones de modelacion como  3Dsmax, Zbrush,  MatchMover o MD2. Consiguiendo un efecto realista que transmite al espectador la sensación de estar participando en  el relato que estás viendo. 

Una mención especial merece la banda sonora que acompaña todas y cada una de las imágenes del corto. Música que es una mezcla de electrónica y étnica que está firmada por Tomas Dobrovolskis.

David Lance es un estudio creativo centrado en la animación arquitectónica. Crea proyectos creativos e imaginativos para clientes que provienen de una variedad de orígenes, incluyendo arquitectura, ingeniería y desarrollo inmobiliario. Con quince años de experiencia en visualización arquitectónica y animaciones, cuentan con una larga experiencia con encargos realizado para clientes de Oriente Medio, Europa y América del Norte.



Cardboard Bike Project, recycled cardboard bike for 10 dollars




Pending patent for its manufacture, the Cardboard Bike is a design that combines craftsmanship and recycling, as basic principles, to offer a customizable product at a ridiculous price. According to its creator Izhar Gafni

The whole process of design, manufacture and assembly of the Carboard Bike, does not exceed the 10 dollars budget, having a retail price ranging between 70 and 90 dollars depending on the extras added by the customer. Made with cardboard, its creator was inspired by the documentary about the uses of cardboard that was broadcasted in his place of residence.

The secret for the pressed cardboard to acquire solidity and resistance lies in the resin solution to which the parts of the bike, handlebars, frame, pedals and accessories are subjected, and which is a formula made by Izhar himself, an enthusiastic cyclist. He has created an eco-vehicle, which offers all the guarantees of safety, as it is backed by the enthusiasm and experience as a designer of its author. 

The solidification process ends by adding a layer of pearlescent paint, being able to withstand water and humidity, presenting a long durability. The video shows in more detail each and every one of the steps that make up the manufacture of the Cardboard Bike, a type of product that due to the scarce resources it requires, materials from recycling, thick cardboard and materials easy to find. It could be manufactured in developing countries.


Izhar's bicycles redefine the idea of green transportation in every way, being environmentally friendly from the earliest stages of production and marketing. Izhar Gafni, a resident of Kibbutz Bror Hayil in the Negev (Israel), took the most popular vehicle in the community and decided to turn it into a viable, sustainable and brilliant business idea. 

In addition, those who decide to add a removable motor to their frame instantly turn it into an electric bike, which increases the bike's weight but improves its performance over medium distances.



Cardboard Bike Project, bicicleta de cartón reciclado por 10 dolares

 


Pendiente de la patente para su fabricacion, la Cardboard Bike (Bike de cartón), es un diseño que combina la artesanía y el reciclaje, como elementos principios básicos, para ofrecer un producto personalizable a un precio irrisorio.


Según su creador Izhar Gafni, Todo el proceso de diseño, fabricacion y montaje de la Carboard Bike, no excede los 10 dolares de presupuesto, teniendo un precio de venta al publico que oscila entre los 70 y 90 dolares dependiendo de los extras que le añada el cliente. Realizada con cartón su creador se inspiro en el documental sobre usos del cartón que emitieron en su lugar de residencia.


El secreto para que el cartón prensado adquiera solidez y resistencia, reside en la solución de resina a las que somete a las piezas de la bike, manillar, cuadro, pedales y accesorios, y que es una formula realizada por el propio Izhar, un ciclista entusiasta. 


Que ha creado un eco-vehículo, que ofrece todas las garantias de seguridad, ya que esta avalado por el entusiasmo y la trayectoria como diseñador de su autor. El proceso de solidificacion finaliza añadiendole una capa de pintura nacarada, pudiendo soportar el agua y la humedad, presentando una larga durabilidad. 


En el vídeo mostrado AQUI, se muestra con mas detalle todos y cada uno de los pasos, de los que se compone la fabricacion de la Cardboard Bike,  un tipo de producto que debido a los escasos recursos que precisa, materiales procedentes de reciclaje, cartón piedra de calibres grueso y materiales fáciles de encontrar. Podría ser fabricada en países en vías de desarrollo.


Las bicicletas de  Izhar redefine la idea de transporte ecológico en todos los sentidos, siendo respetuosas con el medio ambiente desde las primeras etapas de la producción y su comercialización. Izhar Gafni, residente en la localidad de kibutz Bror Hayil en el Negev (Israel), tomó el vehículo más popular en la comunidad y decidió convertirlo en una idea empresarial viable, sostenible y brillante. Además, aquellos que deciden añadir un motor extraíble a su cuadro instaneamente la convierten en una bicicleta electrica, lo que incrementa el peso de la bicicleta pero mejora sus prestaciones en las medias distancias.

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Heather Ackroyd y Dan Harvey/Retratos en verde


La naturaleza y la cultura, el control y el azar se yuxtaponen en la espectacular obra de Ackroyd y Harvey revelando la belleza, la delicadeza y la naturaleza transitoria de la vida orgánica. Hacen fotos que exploran la sensibilidad de la luz sobre los retratos emulsionados en los lienzos de césped. El efecto de la fotosíntesis reemplaza el bromuro de plata como fenómeno químico, y la hierba, más o menos verde, dependiendo de si esta mas o menos expuesta a la luz, muestra las imágenes. 

La técnica empleada para crear las piezas, consiste en proyectar una imagen sobre una pared oscura de vegetación, las partes correspondientes de la superficie  germinan dependiendo de la cantidad de luz que reciben. del sol sobre el contorno, más oscura será la pigmentación cuanto menos reciba,  el trabajo  puede permanecer por años o hasta varios meses dependiendo del tiempo de exposición.

La obra de Ackroyd y Harvey combina la escultura, la fotografía, la ciencia, la arquitectura y la ecología. Expuestas principalmente en el espacio público,  la hierba es una de sus materiales favoritos. Entre sus intervenciones mas importantes, esta la de cubrir completamente con las paredes de hierba  una iglesia abandonada de Londres, o las catacumbas situadas debajo del Palacio de Chaillot, en París. En 2012.

The RedBall Project es una intervención nómada y participativa



Es asombroso la capacidad de adaptación que puede puede presentar un simple pelota roja, quioscos, autobuses, callejones, puentes, iglesias... The RedBall Project, es una iniciativa lúdico artística desarrollada por el escultor Kurt Perschke

Con la que ha recorrido ciudades del todo el mundo como Abu Dhabi, Toronto, Barcelona, Chicago, Sidney o Londres.  La iniciativa que ha desarrollado a lo largo del ultimo año, la ultima cita con la pelota de goma sera en la sede olímpica de Londres, coincidiendo con la celebración de los juegos olimpicos.


De RedBall supone un catalizador para nuevos encuentros en el día a día. A través de la naturaleza magnética, juguetóna, y carismática de la RedBall. En la superficie, la experiencia parece que lo importante es la pelota como un objeto, pero el verdadero poder de este proyecto es la capacidad de experimentación con los elementos que conviven en el espacio publico.
 

LA PELOTA COMO ARGUMENTO ARQUITECTONICO A TRAVÉS DEL QUE ANALIZAR EL ESPACIO
La persona como sujeto receptor de la experiencia no es por lo tanto simplemente un espectador sino alguien, a quien de alguna manera se le obliga a tomar una posición activa ante lo que está sucediendo ante sus ojos. Lo que provoca que la actividad cobre intensidad convirtiéndose en toda una experiencia, en la que participante en relación a su imaginación ya no es meramente un invitado pasivo que evalúa la intervencion, sino que pasa a formar parte de la narrativa. 

Concebido como un proyecto de carácter nomada, multicultural y ejecutado en términos geografico a escala global, The Red Ball aunque en principio no cuenta con itinerario definido y un calendario de ciudades cerrado. Si se estima como horizonte de finalizacion el 2020, un periodo de tiempo lo suficientemente amplio que permitirá evaluar su grado de aceptación en diferentes lugares del mundo.   



Revierten el envejeciemiento de células cardiacas humanas, activando la telomerasa



El descubrimiento de la relación que existe entre el acortamiento de los   telómeros en la división celular, y el envejecimiento por el efecto de la enzima de la telomerasa. Ha supuesto que se abran nuevas expectativas en el desarrollo de terapias genicas, para el tratamiento de enfermedades consecuencias del envejecimiento celular.

El departamento  de investigación perteneciente al Instituto del Corazon de la Universidad de San Diego, ha conseguido rejuvenecer tejido cardiaco, en pacientes mayores que presentaban insuficiente cardiaca. Utilizando células madres a las que se había practicado una biopsia, con el fin de evaluar su idoneidad.

Las células madre modificadas ayudó a la señalización de la estructura de las células del corazón facilitando la actividad de la telomerasa en la regeneración de los telomeros. Los investigadores modificaron las células madre en el laboratorio añadiendo PIM-1, una proteína que promueve la supervivencia celular y el crecimiento. El estudio firmado por Sadia Mohsin, Ph.D. fue presentado en Basic Cardiovascular de la American Heart Association Ciencias Sesiones Científicas 2012 y publicado en Journal of the American College of Cardiology.

Las células rejuvenecen cuando la actividad de las células madre modificadas mejoran debido a la actividad de la enzima  telomerasa, que evita el desgaste del telómero cromosomico. Los tolmerasa situados en los extremos de los cromosomas facilitan la replicación celular. El envejecimiento y la enfermedad se produce cuando los telómeros se acortan debido a la reducción de presencia de telomerasa. 

Las células humanas que se utilizaron en la investigación fueron probadas unicamente invitro, limitandose al ámbito del laboratorio por razones de seguridad. Los investigadores   entonces ensayaron la técnica en ratones y cerdos, y encontraron que los telómeros crecieron alargamiento, regenerando d-e tejido cardiaco en tan sólo cuatro semanas. 

Hasta ahora las investigaciones realizadas con telomeros habían conseguido ralentizar el proceso de envejecimiento celular, pero gracias a la señalización de PIM-1, se ha conseguido que se incremente la cantidad de telomerasa, revertiendo el proceso de envejecimiento celular orgánico. En este momento sólo existen soluciones farmacologicas, trasplante de corazón o de terapias con células madre con potencial regenerativo limitado, pero PIM-1 la modificación supone un avance significativo para el tratamiento clínico.

Los arcos de Vincent Ganivet desafian a la gravedad


Utilizando las antiguas técnicas de construcción que ya empleaban los ingenieros romanos para diseñar, los acueductos con los abastecían de agua sus polis. El artista Vincent Ganivet crea instalaciones aplicando estas mismas fórmulas milenarias.

Ecuaciones que se traducen sobre el terreno en equilibrar las fuerzas de tensión y compresión que recibe la materia con la que realiza conjuntos esculturales formados por arcos. Figuras que aparentemente muy frágiles y livianas pero que poseen la propiedad de soportar de cientos de kilos.

Representado como un objeto artistico cuya forma y concepto técnico está extraido de la Arquitectura. Hecha con bloques de hormigón que se apilan trazando una bóveda flexible a la vez que altamente resistente. Esteticamente se convierte en un objeto de un extraordinaria plasticidad.

Al igual que las pelotas de los malabaristas tiradas al aire, los arcos simbolizan las trayectorias de estas bolas que proporción el equilibrio a cada arcada dotándole de cierto movimiento. El material de esta forma se transfigura, descubriendo nuevas y sorprendentes cualidades estéticas. 

Vincent nació en 1976 y vive y trabaja en la Ile Saint-Denis, en el norte de París. Su trabajo se centra en lo absurdo y lo efímero, creando sus obras a partir de materiales simples y comunes que normalmente se utilizan para otros propósitos y funciones. 

A través de su meticulosa construcción, se las arregla para atribuir a estas materias primas un cierto carácter poético. Su obra cuestiona también la física. Por ejemplo, sus esculturas gigantes de torsión transforman la luz. 




Stiftung Freizeit - Flores en un jardín urbano Pop-up hecho con carton


Cuando ya se están calentando motores para la próxima edición del evento global PARK(ing) Day. Cita que de carácter anual cuya convocatoria está organizada por una serie de organizaciones y colectivos.

Que desde una diversidad político y social han creado un calendario de actividades en cuyo transcurso se exponen diferentes propuestas y proyectos. Los cuales contemplan el espacio publico, sus elementos y su uso, desde una óptica, en la que se prioriza el compromiso con unos valores que destacan por su solidaridad y su afán  comunitario.

En este contexto recuperamos la intervención realizada por el colectivo Stiftung Freizeit en la calle Wrangelstr de Berlin. La idea planteada consiste en instalar en el espacio publico, un recinto cerrado montado con cajas de cartón blancas. 


El exterior da la sensacion de solidez, en el interior el visitante se maravilla ante una selección de plantas colocadas en el interior de los huecos, representan un refugio verde, un oasis camuflado tras una muro blanco que pasa desapercibido.


Unas sencillas cajas de cartón blanco se convierten en una zona ajardinada Pop-Up en una zona de la ciuda, cuyo urbanismo carece de apenas espacios verdes en los que poder reunirse.

Herederos de movimientos como el de la Bauhaus y abanderados de iniciativas como la de la economía circular, Stiftung Freizeit fue fundada en Berlín hará un par de años 2010 por Inés Aubert, Markus Blösl y Rubén Jódar. Tres activistas del diseño social que a partir de cuestionar el tratamiento que se hacen de los recursos comunes. Diseñan actuaciones de baja intensidad cuyo propósito es suscitar procesos de reflexión sobre las prioridades y rendimientos  sociales de los espacios comunes.


Tom Colbie / Parallel Dimension

Que haría un astronauta si en su viaje por el cosmos, hiciera escala en el planeta tierra. El planteamiento del ilustrador Tom Colbie, nos muestra alguien de naturaleza curiosa y pacifico en el trato con los nativos. Poniéndole en contextos realmente cómicos donde el sentido del ridículo se diluye apoyado en un narración donde los elementos cinematográficos, empezando por el tratamiento del color y las marquesinas, en los que se anuncian los estrenos antiguamente, tienen una fuerte presencia, estableciendo un paralismo con diferentes épocas y escenarios.


Tom Dixon - Viviendo en un deposito de agua reformado en el Londres de los juegos olimpicos


Tom Dixon es fundador de un afamado estudio de diseño e interiorismo con sede en Londres, que en 2.005 y con vistas a la celebración de los juegos olimpicos que se celebraran en la capital Inglesa este Verano. 


Adquirió un viejo deposito de agua, de los que abastecía a la ciudad de Londres y que fueron sustituidos por la red de alcantarillado a lo largo del siglo XIX. Quedando en muchos casos abandonados o como lugares donde almacenar mercancías de dudosa procedencia, hasta su practica desaparición del paisaje urbano de la ciudad.

En este caso el tanque que selecciono Dixon presentaba una capacidad que ronda los 19.000 litros de agua, presentaba estructuralmente un deterioro considerable, tanto interiormente como en su cubierta exterior, la que ha sido sustituida por un armazón de madera que cubre las tres alturas.


De forma cilíndrica el contenedor, al que se accede ascendiendo hasta los seis metros desde el suelo, por una escalera de tres cuerpos. Aunque el proyecto contempla en un futuro cercano la instalación de un ascensor que facilite su acceso.

En su interior se impone su forma curvilínea y el acierto por parte de su diseñador, de proporcionarle una iluminacion acorde con su orientación hacia el rió Támesis, ganando unas vistas extraordinarias tanto de la ribera del rió como de gran parte de la ciudad. Aunque la habitabilidad y comodidad en su interior está condicionada por las paredes curvas.  Su interior decorado con un mobiliario sobrio y cálido pensado para facilitar la movilidad sus residentes.


Lo que sorprende es que las limitaciones de superficie no impiden que este apartamento singular cuente con tres dormitorios, una sala de recepción, una cocina, que estan comunicados mediante una escalera de caracol que recorre el interior del deposito, seccionado en tres partes, cada una con una personalidad propia. 

En total supone los inquilinos que deseen disfrutar de este lugar único tendrán a  su disposición una superficie de 1.500 metros cuadrados (hay que puntualizar que la mayor parte de la propiedad está ocupada por un jardín además de las zonas comunes que comparten con la comunidad en el que se asienta el deposito). En todo caso estamos ante una cifra nada desdeñable teniendo en cuenta las características singulares del inmueble y sus usos precedentes.


Dixon tiene previsto añadir otras dos apéndices a la estructura original, un dormitorio con cocina americana y un baño completo que estaran disponibles para todo aquel que desee pecnoctar en un lugar exclusivo.


Las otras dos habitaciones en los pisos superiores también están disponibles a tasas similares. La idea es ofrecer un establecimiento donde sus moradores encuentren las condiciones para inspirarse y desarrollar su creatividad en un ambiente cálido.



El artista urbano Ninja1 and Mach505 revisa el mito de Medusa en 3D


El mito de la medusa desde que los antiguos lo introdujeron como uno de los elementos mas recurrentes utilizados desde el punto de vista narrativo a partir de que construyeron su universo mitologico.


Ha sido una referencia que ha sido utilizada a lo largo de los siglos, Incluyéndose en multitud relatos. Pero no solamente el horror que provocaba su presencia, ha sido tan sólo utilizado en historias escritas, sino que  su sombra alargada, o más propiamente sus tentaculos.


Ha sido el argumento que ha servido de hilo conductor que se ha utilizado, ya sea como protagonista de lo que se quiere contar, o como artificio secundario en miles de historias. Adoptando las más variopintas formas y formatos narrativos. 

 

Y es que la leyenda que colocan a Medusa como un monstruo que sedujo a Poseidón y por eso fue desterrada convive con otra versión que nos la sitúa como ejercía como protectora del templo de Atenea. Teniendo un encuentro por el que sedujo a Poseidón demostrando su estatus.


Ademas de otras cualidades como la belleza y la inteligencia, propiedades que la convertían poco más o menos que en divina. Postura que Atenea interpreta como un desafio, indignada por la profanación de su templo y la osadía de Medusa.

Decide finalmente expulsarla, siendo desterrada y al saber que está embarazada la manda asesinar, encargo que ejecuta Perseo. El cual la decapita, como consecuencia del interior emergen serpientes. Una historia en definitiva lo suficientemente seductora, como para que haya sido objeto creativo en ámbitos urbanos como el de Street Art.

 

Firmado por el artista urbano Ninja1 and Mach505, el mural titulado Medusa anamorph, que aparte de trasladar de forma comprensible actualizandolo. Es un trabajo que posee un sugestivo componente visual al menos de cara al espectador.

El cual dependiendo del ángulo desde donde se situé para observar el mural, obtendrá una experiencia óptica diferente. Esta técnica consigue un efecto en 3D que transforma la imagen, similar a un efecto morphing. De los que viene en muchos programas de animación.  Realizada con motivo de la celebración de la ultima edición de Sub Urb Art, para el estudio Truly Design. Finaliza con el siguiente párrafo extraído del Infierno de Dante,    

Dante, "Infierno", Canto IX, vv. 51-57 ¿Recuerdas cómo Perseo tenía que mirar a la imagen de la gorgona Medusa reflejada en el escudo espejo que le había dado Atenea para evitar ser convertido en piedra?

Tobias Revel - New Mumbai, un ducumental en clave de ficción que contempla soluciones para los Slum de la India

Abordado como un falso documental, su realizador el diseñador teórico y artista Tobias Revell nos muestra a traves de diferentes testimonios, las causas por las que Dharavi, la mayor concentracion de nucleos chabolistas de Mumbai en la India, es un foco de delincuencia y miseria. 

Siempre desde una óptica en la que prioriza aquellos aspectos humanitarios Tobias analiza en New Mumbai que podéis ver íntegro AQUI, una realidad en la que la precariedad se ha vuelto endemica. Proponiendo una solución basada en el uso de hongos orgánicos solares, y la producción de energía limpia.

Como elementos que faciliten el desarrollo de los miembros de una comunidad, sobre cuyos terrenos, se han generado importantes planes urbanísticos. Con los que desarrollar un área de terreno que abarca millones de metros cuadrados.


Lo que de concretarse significaría la expulsión de la practica totalidad de las familias, que aunque hacinadas, han convertido aquellos cenagalés en algo lo más parecido a un "hogar". Los hongos modificados genéticamente, adoptarian escalas enormes, instalándose en las cubiertas de los edificios, donde generarian energía a partir de procesos térmicos.

Para narrar esta fabula energética Tobias se traslado al distrito de Dharavi, un barrio que experimento un importante crecimiento, durante la Guerra Civil de la India. Siendo inundados con los refugiados que buscaban escapar del conflicto, en el que perecieron millones de personas. 


Las autoridades de Mumbai, enfrascadas en la defensa de la ciudad no advirtieron la enorme cantidad de refugiados que se estaba concentrando en lo que hoy es Dharavi. Situación que se agravaría con el paso del tiempo.


Debido a que alguna zonas se convirtieron en centros de distribución de drogas. Entonces partiendo de la iniciativa de los escasos miembros cualificados de la comunidad, crearon las condiciones para desarrollar el proyecto New Mumbai

Proyecto solidario a través del que se cultivarian hongos solares modificados genéticamente, creando una red eléctrica que cubriría todo el distrito de Dhiravi. Suministrando energía a partir del calor que se condensa en el interior de la carne fibrosa de los hongos. 

Lo que provocaría que el "slum" de Dharavi evolucionaria rápidamente hacia una micro-economía basada entorno al cultivo de las setas. Este documental que parte de una ficción, cuenta la historia de algunos de los personajes que participan en el proyecto New Mumbai para que el distrito de Dharavi consiguiera ser autónomo energeticamte, desarrollándose economicamente como comunidad.


Sayaka Ganz, el significado de la materia a través de su resurrección animal




Sayaka Ganz realiza esculturas a partir de las replica de osamentas de diferentes especies de animales, como materia prima utiliza principalmente objetos cuyo origen son los deshechos. Que ella misma recoge o que les dona de forma anonima.

Comprometida con la corriente incipiente que apuesta decidamente por la economía de materiales en los procesos creativos. Postura a la que cada dia se suman cada días más gente de diferentes ámbitos artistiticos, así como desde una diversidad de esferas profesionales como por ejemplo la arquitectura, siendo este estamento uno de los primeros.

En diseñar una serie de patrones más o menos accesibles y por lo aplicables sobre el terreno, obteniéndose unos resultados cuando menos muy prometedores. Y que indican el grado de conciencia que se ha ido generando durante las últimas décadas respecto al impacto ecológico que puede tener las manifestaciones artisticas.

Posiciones cuya proyección social y medio-ambiental se ha comprobado que pese a la tenue replica, que ha tenido en una mayoría de las ocasiones en los medios. (Tendencia que últimamente parece que se está revirtiendo). Si ha provocado que cada vez más artistas incorporen a su praxis artisticas, métodos de aprovechamiento de alto rendimiento.


ARTE RECICLADO QUE TRASCIENDE LO MATERIAL, LO DIVINO Y LO TERRENAL

En el caso de Sayaka, un trotamundos que aunque nacio en la localidad japonesa de Yokohama, periodo que compartió con estancias esporadicas en la isla de Hong Kong y Brasil. Donde aprendió buena parte de su oficio. Para finalmente trasladarse a la ciudad norteamericana de  Fort Wayne, en el estado de Indiana. 

En las piezas de Ganz se observa una notable influencia de manifestaciones espirituales como la fe sintoísta, relación con esta religión cuando el era aún muy joven. Y que en su concepción emana de creencias ancestrales próximas a los ritos animistas. Cuyos seguidores tienen fe en que los objetos y organismos poseen su espíritu propio.

Su práctica se basa en la veneración de los kami, espíritus sobrenaturales que existen en toda la naturaleza. La conexión entre los kami y la naturaleza permite considerar el sintoísmo como una religión animista.

A medida que su lado artístico se cultivo, infundió a su obra estos dogmas, utilizando materiales de reciclaje en sus esculturas. Tras seleccionar los objetos desechados, los utiliza con el propósito de hacer trascender el origen del animal/formas orgánicas en el mismo momento en que se encotraban vivos y en movimiento, otorgándoles de alguna forma la facultad de la resureccion. 

Este proceso de recuperación y regeneración tiene en el fondo un enfoque liberador desde el punto de vista artístico. Creando en su conjunto una narrativa a través de sus esculturas cuyo objetivo en esencia es transmitir un mensaje de esperanza frente a los enormes desafíos que nos enfrentamos como humanidad.